julio 14, 2020

«I Heard!»: La nueva era sónica de Elliot Moss

Platicamos con el artista sobre su nuevo sencillo, la producción de su video musical, 'A Change in Diet' y más.

Antes de que empezara la cuarentena, Elliot Moss estaba aprovechando al máximo la cúspide de su carrera musical. Tras haber lanzado en enero su tercer álbum de estudio, A Change in Diet, el compositor y productor neoyorquino se encontraba encabezando su propia gira norteamericana. Asimismo, alcanzó a dirigir el video musical de “Silver + Gold”, canción proveniente del álbum, y sacó un EP de remixes del disco en el que colaboró con tres artistas latinos, entre estos el rapero mexicano Go Golden Junk.

Sin embargo, cuanto más avanzaba la propagación mundial del COVID-19, más restricciones se fueron estableciendo en la industria del entretenimiento y en la vida cotidiana. Consecuentemente, como cientos de artistas alrededor del mundo, Moss se vio obligado a abandonar su participación en múltiples festivales que se aproximaban este año, incluyendo el Hellow Festival de la Ciudad de México, y a encerrarse dentro de su hogar en Nueva York para practicar el aislamiento social requerido.

Esto no significa que su espíritu creativo haya entrado en reposo. Desde que empezó su confinamiento, Elliot Moss ha estado trabajando en diversos proyectos musicales y audiovisuales. Por ejemplo, el mes pasado lanzó una serie de videos en YouTube, titulada Live Blackbox Recordings, en la que reinterpretó las canciones de A Change in Diet con instrumentalización en vivo y nuevos arreglos musicales. De igual manera, se ha asegurado de entretener a sus seguidores en cuarentena con transmisiones en vivo y presentaciones virtuales que sube a sus redes sociales.

Por si fuera poco, Elliot Moss también acaba de empezar una nueva era sónica. Este martes (14 de julio) estrenó un nuevo sencillo, titulado “I Heard!”, que ha debutado simultáneamente con su propio video musical. Dirigido por Matt Genesis, dicho visual lo grabó Moss con ayuda de su papá en su casa de Nueva York, mientras que todo el equipo técnico detrás del proyecto los instruía por llamadas de video. El músico platicó en exclusiva con Rolling Stone México sobre su más reciente entrega y más.

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Instagram Elliot Moss

Elliot Moss nos habla sobre su nuevo sencillo, la producción de su video musical, A Change in Diet y mucho más

Antes que nada, quería preguntarte cómo has hecho frente a la cuarentena y a todo lo que está pasando hoy en día. ¿Qué tanto has hecho últimamente?

He estado haciendo todos los proyectos que siempre he querido hacer. Tenía muchas cosas pendientes por hacer: quería construir una cabina de aislamiento para grabar vocales; completar mi equipo; reparar unas guitarras que tenía rotas. Todas estas cosas que cuando estás de gira dices: “Cuando llegue a casa voy a hacer esto, voy a hacer esto y voy a hacer esto”, pero luego llegas a casa y no haces nada de eso porque estarás otra vez de gira en unas tres semanas o algo por el estilo.

Así que eso, y he estado componiendo hasta quedarme dormido casi todas las noches, lo cual ha sido genial. Obviamente uno se siente un poco irritado o cansado de ver las mismas paredes todos los días, pero al mismo tiempo estoy muy agradecido de tener suficiente tiempo para concentrarme en galvanizar toda esta nueva música, contenido audiovisual y animaciones. Me levanto todos los días con todas mis herramientas a mi disposición y me tomo el día para hacer lo que quiera, lo cual es estupendo porque nunca tenía el tiempo. Es genial.

Recientemente anunciaste que en estos días saldrá tu nuevo sencillo, titulado “I Heard!”. ¿Qué nos puedes decir sobre esta canción? ¿Cuál fue su inspiración?

“I Heard!” tiene un tejido conectivo con mi álbum anterior, A Change in Diet, en el sentido de que todavía se trata de encontrar la felicidad y posiblemente confundirla o buscarla en cosas externas, pero toma un tono más sarcástico con esta idea. Es una forma muy conversacional y directa de burlarse de esta idea de que, si cambias tu dieta, sales a correr o eres más honesto con tus amigos, eso será todo lo que necesitas hacer para encontrar la felicidad en la vida y que morirás como un hombre feliz si sigues estas 10 reglas sencillas de Buzzfeed o lo que sea.

Hay tantas cosas por ahí que nos dicen cómo ser felices [y las usamos] en vez de hacer la búsqueda necesaria y la investigación introspectiva que se requiere para desarrollarnos verdaderamente como personas. Te dice sarcásticamente que te aferres a todos estos ideales superficiales en vez de hacer el trabajo requerido y hacer lo que de verdad hay que hacer para encontrar la felicidad.

También tienes bajo la manga su propio video musical, el cual debutará con la canción. ¿Cuál es el concepto detrás del visual? ¿Con qué temática estaban trabajando?

El concepto es que existen todos estos elementos diferentes… O sea, yo estoy en el video, lo cual es extraño para mí porque no me gusta actuar, pero en cuarentena trabajamos con las personas que tenemos. Se trata de todos estos elementos diferentes del ego que están siendo proyectados en mi casa, viéndome, analizándome y juzgándome desde el exterior. Estoy huyendo de todos estos miedos, ansiedades y preocupaciones que han sido proyectados fuera de mí y se les ha dado esta clase de entidad física, así que puedes casi racionalizar el huir de ellos a diferencia de cuando están atascados en tu cabeza.

En el video literalmente escapo mucho de estas cosas, ya que corro dentro de la casa y termino en el jardín delantero abandonando todas estas cosas y dándome cuenta de que no puedo volver a entrar a mi casa porque dejé una gran parte de mi psique ahí. Es un poco tonto y le da una perspectiva casi caricaturesca a la forma en que nuestro ego se puede convertir en una grande interrupción o distracción de lo que realmente queremos estar haciendo o cómo nos queremos estar sintiendo.

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Por lo que entiendo, tú grabaste el video en tu casa de Nueva York con la ayuda de tu papá, mientras que Matt Genesis los dirigía desde Minneapolis a través de llamadas de video. ¿Nos puedes contar un poco sobre el proceso de producción?

Fue una locura. Conduje hasta Nueva Jersey y recogí unas luces del tamaño de refrigeradores para ponerlas en mi cocina y todo. Marcus [Taplin, el director de fotografía a cargo], por el otro lado, nos decía exactamente cómo posicionar las cosas basándose en su punto de vista desde el iPad y la cámara. Avanzábamos plano por plano con un equipo de personas en un iPad diciéndonos qué mover, qué enfocar y qué ajustar de esta forma u otra.

Una vez que todo estaba listo, nosotros empezábamos a grabar y ellos –de manera remota, desde Minneapolis– movían el deslizador motorizado de la cámara para delante y para atrás, adentro y afuera. Ellos tenían control del enfoque, el paneo, el tilt [movimiento vertical del ángulo de la cámara desde un punto definido] y la rotación desde la mitad del país, lo cual es descabellado.

Así que ellos programaban los movimientos, nosotros empezábamos a grabar y hacíamos lo que nos tocaba hacer en la secuencia. Hicimos eso muchas veces y no lo grabamos en orden. Se hizo de una forma tan organizada y meticulosa que todo se juntó sin esfuerzo, pero la mitad del tiempo no sabía que estábamos grabando porque todo se basó en la locación y en tratar de ser eficientes en vez de hacerlo en orden cronológico.

¿Dirías que “I Heard!” es el primer avance de una nueva era para Elliot Moss, tal vez un nuevo álbum, o es un lanzamiento único?

“I Heard!” definitivamente tiene más canciones asociadas a ella y definitivamente es una nueva voz para mí. Es un poco más cruda y directa, como que he renunciado a esta idea de que necesito envolver o revestir cada concepto rudo o irascible que tengo en una envoltura bonita y he empezado a decir las cosas como las siento, lo cual puede causar mucha ansiedad y temor porque uno no quiere darle a la gente una línea directa al interior de su cabeza necesariamente, ya que a uno le preocupa que la gente lo vaya a analizar y eso lo pone en una desventaja, creo yo.  Pero abandoné ese miedo y dije: “Está bien, esto es exactamente lo que quiero decir y lo voy a escribir como si nunca nadie lo fuera a escuchar”, y luego lo compartiré y todos lo van a escuchar.

Hablando sobre A Change in Diet, este álbum parece ser el proyecto más complejo y maduro que has publicado en toda tu carrera, con temáticas recurrentes como la ruptura amorosa, la ansiedad y muchos cambios de formas. ¿Cómo llegó a ser este disco?

El disco llegó a ser después de que me salí de una relación de 10 años. Había compuesto la mitad del disco en este tiempo y creo que proyectó una sombra gigantesca sobre mí de maneras que no entendía muy bien. Al salirme de esto y darme un espacio de la tristeza que estaba asociada a estos pedazos significantes de mi vida que ya no estaban en mi vida, fui capaz de replantearme de dónde provenía mi felicidad y de reformar la forma en la que veo las cosas.

Doblar mi cuerpo en figuras es una temática presente en varias de las canciones de A Change in Diet y trata esta idea de cómo uno se retuerce y se cambia a uno mismo por otra persona, y lo reconfortante que se siente cuando uno regresa a su forma original tras haber mantenido una pose por tantos años y haber tratado de ser de una manera específica porque así es como alguien lo veía. En algún momento uno ya no es consciente de que está haciendo esto y es muy liberador darse cuenta de que uno tiene su propia forma con la que puede hacer lo que le plazca en vez de preguntarse si se verá bien para alguien más.

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Instagram Elliot Moss

Cualquier persona que escuche tu álbum se dará cuenta de que empleas bastantes metáforas y figuras retóricas en tus canciones. ¿Cómo es tu proceso creativo? ¿Hay algún orden específico con el que creas tu música? ¿O priorizas ciertos elementos durante este proceso?

Definitivamente priorizo algunos elementos. Al escribir A Change in Diet, hubo un esfuerzo consciente en hacer que estas temáticas surgieran a medida que avanzaba el disco y que al mismo tiempo no se sintieran intrusivas. No quería que se sintiera como que estaba reciclando las mismas letras una y otra vez, por lo que necesitaban un lugar o no pertenecían del todo. Pero sí, utilicé un tablero grande de corcho con muchas temáticas generales del álbum, algunas escritas como líneas individuales, y otras cosas que consideré que tenían un lugar en la imagen más global de aquello en lo que estaba trabajando.

Aun así, todo se reduce a tener estos momentos de: “¡Eureka! Al fin encontré una manera de encajar este bloque de letras, que he escrito en un tren o algo por el estilo, dentro de mi música”. “Dogcatcher” surgió de esta forma, porque ya tenía esas letras desde que había empezado a trabajar en el disco, pero nunca había encontrado un lugar para ellas. Y después, de repente, un día estaba tocando el piano y dije: “Listo. Éste es su lugar”.

Parte de esto –por mucho que no me guste, ya que me encantaría poder sentarme todas las mañanas y componer una canción– aún depende de que esperes a que dicho momento ocurra, que estés preparado y que te asegures de que, si te vas a sentar a trabajar, no tengas que pararte en 45 minutos para asistir a una reunión o encontrarte con algún amigo o algo así. Debes estar preparado para capturar algo en caso de que llegue este momento.

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A Change in Diet no se queda nada más en la música. También estrenaste varios videos musicales para temas como “Barricades”, “Silver + Gold” y “July 4”, de los cuales tú dirigiste los últimos dos. ¿Cómo se te ocurren historias o temáticas que representan aquello de lo que estás cantando en tu música?

“Silver + Gold” es un gran ejemplo. Lo dirigí con mi amigo, Kevin Condon. El video presenta una interpretación bastante liberal del significado de la canción, en la que estos ladrones se meten a una casa y uno de ellos se da cuenta en medio del atraco de que él vivió ahí en su infancia y que todo lo que están robando les pertenece a él y a sus padres.

Él sube a su habitación y encuentra el avión de juguete con el que jugaba cuando era pequeño. Empieza a ver estos flashbacks y ahí entiende que la felicidad y la libertad que está buscando al asaltar la casa, al perseguir riquezas o cualquiera que sea la razón por la que está robando la casa, no las satisfará con el dinero o con lo que sea que haya en esa casa. Las satisfará al revivir esa memoria de su infancia en la que se sintió libre mientras corría por la calle, así que eso es lo que él decide perseguir y opta por robarse una memoria de su infancia en vez de un objeto tangible de su casa.

Ésta es otra forma de decir que uno está viviendo en el pasado y que lo que uno tiene ahora en su vida, aquello que uno ha construido por su cuenta, ya no le satisface. Que uno busca en el pasado los tiempos en los que uno solía ser feliz e intenta encontrar la manera de regresar a esos tiempos, lo cual puede ser muy perjudicial para uno mismo y es una forma muy cansada de vivir.

Yo mismo he pasado por periodos en mi vida en los que recurro a aquellos tiempos en los que solía ser feliz en vez de ver hacia el futuro, ser productivo y buscar la manera de mejorar realmente mi situación. Porque es más fácil, se siente un poco bien revivir esos momentos, así que eso es lo está haciendo al máximo el ladrón al robar su propia casa y luego correr por la calle como un lunático.

Algo que también me pareció interesante es que el título de tu disco se parece al de “A Change in Diner”, que es una canción proveniente del álbum. ¿Por qué te decidiste en este título y, si fue inspirado por el de la canción, por qué lo cambiaste?

Porque fue en un diner [restaurante característico de Estados Unidos] donde entendí que iba a terminar con mi pareja y que ya no iba a poder comer ahí otra vez. Hay muchos diners donde vivo, así que está bien, pero ya no como en este diner específico. Creo que ésta es una manera de tomar algo tan tonto y sarcástico –como un cambio de dieta, que es una de las muchas cosas que recomiendan los libros de autoayuda cuando dicen: “¿Te sientes triste? Trata de comer más fruta”–, y más bien decir: “Éste es un establecimiento al que ya no puedo ir porque está asociado con el truncamiento de un periodo masivo de mi vida y representa el final de algo que me causó mucha felicidad, pero también mucho dolor”.

Dejarlo todo en ese establecimiento y buscar un cambio de diner es una forma real de encontrar mi felicidad y decir: “Voy a dejar esto en el pasado y voy a ver hacia el futuro. Ya no voy a ese lugar”. “Cierra las puertas, cierra las puertas” es la última línea de la canción, en la que hablo sobre cerrar las puertas de todos estos cuartos que contienen estos recuerdos y sentimientos antiguos. “Smile in the Rain” también hace referencia a esto, es como si todo lo que solías necesitar estuviera en una habitación y te dijeras a ti mismo: “Ya vete de esta puta habitación. Ve y haz lo que sea que te vaya a hacer feliz en vez de enfocarte en estas cosas que ya sucedieron”.

Recientemente publicaste las Live Blackbox Recordings, en las que interpretaste todas las canciones de A Change in Diet con instrumentación en vivo e incluso modificaste algunas. ¿Cómo surgió este proyecto?

Soy un maniático. Simplemente decidí que era algo que debíamos hacer. Hay algunas partes de A Change in Diet que sentí que sería divertido ver cómo sonarían en una escala maximalista y que podían vivir, respirar y rugir con más fuerza si contaran con muchos arreglos musicales y una banda en vivo que sirviera como el motor detrás de algunos de estos temas. Con la ayuda de mi amiga Alba Torremocha, quien compuso las partituras de los instrumentos de cuerda y tocó el segundo violín en la sección de cuerdas, tomamos lo que ya estaba ahí, lo expandimos e hicimos arreglos aún más grandes de ciertas partes que tal vez eran un poco tenues. Las excavamos y las destacamos. Algunos de los temas son un poco más largos, un poco diferentes, y fue una forma de replantearme las temáticas de las canciones tras haber pasado un tiempo entre el lanzamiento del disco y donde estoy ahora.

Adicionalmente, hace unos meses compartiste un EP de mezclas de A Change in Diet, el cual incluye tu colaboración con el artista mexicano Go Golden Junk, al igual que la intérprete colombiana Elsa y Elmar y la cantante cubanoamericana de R&B, Brika. ¿Qué te llevó a colaborar con ellos y cómo decidieron qué canciones del disco se iban a mezclar?

Sobre cómo decidimos qué canciones mezclar, ya teníamos una idea de cuáles iban a ser. Para Brika, sabíamos que iba a ser “Rabbit Roads” y sentimos que su voz iba a encajar de una forma hermosa. Cuando digo “sentimos”, me refiero a mis managers Geoff [Harrison], Emily [Vincent] y Holly [Nixon]. Todos nos juntamos para escuchar mi música, luego escuchamos su música y decidimos en conjunto como: “Está bien, esto es algo que podría encajar”. Creo que Go Golden Junk escogió “Silver + Gold” para trabajar en ella.

En cuanto a Elsa, “Bodyintoshapes” fue otro tema del que acordamos que sería asombroso si alguien pudiera hacer su propia interpretación ya que tiene un ritmo muy house y tiene muchos riffs vocales. Pensamos que agregar la sensibilidad y las ideas de composición melódica de una persona completamente diferente sobre una canción que ya tiene todos los espacios adecuados para hacerlo sería un proyecto interesante.

Pero sí, definitivamente quisimos demostrar que reconocemos y amamos a nuestra audiencia sudamericana. México es uno de nuestros lugares favoritos para tocar, creo que nuestra presentación en la Ciudad de México es una de las tres mejores que hemos tenido. Desde el inicio recibimos mucho apoyo y nuestros fanáticos esperaron por mucho tiempo que tocáramos allí, y cuando estábamos a punto de presentarnos otra vez surgió el COVID-19. Fue una forma de decir: “Sí, vemos su apoyo, también los amamos y ésta es sólo una forma en la que podemos dar de vuelta un poco si nos es posible”.

Mira el video de «I Heard!», el nuevo sencillo de Elliot Moss, aquí:

En este articulo: Elliot Moss,entrevista
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