octubre 28, 2020

15 títulos del cine animado para celebrar el Día de la Animación

Películas que muestran cómo el amor, el miedo, la locura, la tristeza, el dolor y cualquier emoción humana, se ve enriquecida en pantalla con este invaluable recurso.

La animación en occidente ha evolucionado a pasos lentos. Hasta hoy en día, muchos estudios ven en la animación una herramienta exclusiva para el público infantil, o en su defecto, para crear series o cintas de humor escatológico. Sin embargo, diversas obras ajenas a esta creencia nos han mostrado que la animación brinda una oportunidad para inyectar de nueva vida, colores y texturas a cualquier tipo de producción sin importar su temática. Para la animación los límites no existen, y para conmemorar este bello arte en su día, te presentamos 15 películas animadas para adultos que muestran como el amor, el miedo, la locura, la tristeza, el dolor y cualquier emoción humana, se ve enriquecida en pantalla con este invaluable recurso.

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 El planeta salvaje (1973) Director: René Laloux

Esta obra se ha convertido en un verdadero clásico del cine francés. La cinta nos muestra un mundo donde los seres humanos son tratados como animales por una raza alienígena conocida como los Draag. En el mejor de los casos, los humanos pueden aspirar a ser mascotas de estos seres, pero de no tener tanta suerte, son cazados para diversión de esta especie. En primera instancia, la cinta es un completo viaje psicodélico gracias a sus escenarios y diseño de personajes que se han quedado en la memoria colectiva, y además, nos muestra una profunda reflexión acerca de nuestro lugar en el mundo.

Uriel Monterrubio, Colaborador.

Watership Down (1978) Director: Martin Rosen

Dirigida, escrita y producida por Rosen, la película animada, Watership Down, está basada en la novela de Richard Adams, estrenada seis años antes. Velozmente, se convirtió en la sexta película más exitosa de finales de los años setenta en Reino Unido. 

Watership Down narra la historia de Quinto, un conejo joven que tiene una visión apocalíptica sobre el lugar en el que se encuentra su madriguera y así, convence a un pequeño grupo de liebres de huir en busca de un nuevo hogar, atravesando diferentes colonias, cambios de poder y amenazas dentro del bosque. “¡Hazel, mira, el campo está cubierto de sangre!”, se convirtió en una de las frases más reconocidas de la película. Si bien la historia transcurre en un mundo de fantasía bajo el poder del Dios Frith, durante su aventura, la cinta cuenta con una gran carga social y religiosa que pretendía ser una crítica a Inglaterra al momento de estrenar el libro de Adams, quien creció en los estragos de la Primera Guerra Mundial, y vivió la Segunda. 

Ésta película fue el último trabajo de Zero Mostel previo a su muerte, y es protagonizada por Richard Briers y John Hurt (V for Vendetta, El Hombre Elefante, Harry Potter). Actualmente, se le considera una cinta de culto, reconocida por el Festival Internacional de Cine de Chicago, y los Premios de Hugo literatura (Mejor Guión Basado en un Libro), entre otros. 

Sofía Salazar Martínez, Colaboradora.

The Plague Dogs (1982) Director: Martin Rosen

Definitivamente, los trabajos como director de Martin Rosen tuvieron un papel muy importante en el desarrollo del cine animado en Gran Bretaña. Así como Watership Down, The Plague Dogs nos muestra la vida tan cruel y desoladora que puede tener una criatura tan noble como lo es un perro. Rosen nos narra en esta cinta la historia de dos perros que se escapan de un laboratorio donde sufren diversos maltratos con el sueño de llegar a esa tierra prometida donde podrán correr felices por el resto de sus días. Durante su travesía, serán perseguidos por la gente del laboratorio, además de enfrentarse a los diversos peligros del mundo exterior. Una aventura meramente desgarradora.

Uriel Monterrubio, Colaborador.

La tumba de las luciérnagas (1988) Director: Isao Takahata

Studio Ghibli tiene la reputación de realizar películas animadas para todo público donde resaltan la belleza de la cultura nipona, La tumba de las luciérnagas no es la excepción, sin embargo, en esta cinta podemos apreciar una de las caras más trágicas en la historia de Japón. A pesar de no contar con una clasificación más alta que “apta para adolescentes y adultos”, el tema principal la convierte en un película no recomendada para niños o personas susceptibles a eventos bélicos. 

La tumba de las luciérnagas inicia poco después del fin de la Segunda Guerra Mundial, específicamente el 21 de septiembre de 1945, en la estación de tren de Sannomiya, donde Seita, uno de los personajes principales, se encuentra agonizando por falta de alimento. La historia es contada de manera regresiva, Seita recuerda los momentos que vivió con su hermana menor, Setsuko, cuando en Marzo de 1945 tropas estadounidenses comenzaron a invadir ciudades japonesas con continuos ataques aéreos. 

La película fue basada en la historia del mismo nombre del autor Akiyuki Nosaka, esta fue escrita a partir de su experiencia durante la guerra. Al ser un reflejo de lo que varias personas vivieron durante la época en la que se desarrolla, esta es una cinta cruda que invita a reflexionar sobre el pasado histórico y los errores que ha cometido la humanidad al dejar que personas inocentes paguen por los crímenes de otros.

Carmen Ascencio, Colaboradora.

Akira (1988) Director: Katsuhiro Otomo

En 1988, Katsuhiro Otomo llevó a la pantalla grande el manga de su propia pluma Akira, dejando un legado que aún permanece vigente hasta la fecha. La ciencia ficción y la realidad chocan durante 124 minutos en escenas con minuciosos detalles, tanto así que a veces es difícil captar cada uno de ellos, sin embargo, esto es lo que hace que el mundo del filme se sienta vivo y real. Otomo introdujo la cultura japonesa al mundo occidental con uno de los filmes más innovadores. Muchos elementos de la cultura popular han hecho referencia al largometraje, desde Michael Jackson en el video musical de «Scream», hasta Kanye West. En la industria cinematográfica y televisiva, los ejemplos son claros, como Isle of Dogs, Looper, Chronicle, y Stranger Things, por nombrar algunos. Sin Akira, la animación y la cultura pop no serían cómo los conocemos.

Alejandra Pérez, Colaboradora.

Midori: la niña de las camelias (1992) Director: Hiroshi Harada

Definitivamente, Japón esta muchos pasos adelante en lo que la industria animada se refiere. La tumba de las luciernagas fue prueba de esto en 1988, sin embargo, para 1992, Hiroshi Harada presentaría una de las cintas más controversiales y censuradas del país del sol naciente hasta nuestros días. A través de personajes repulsivos y algunas de las escenas más crueles en la historia del cine animado, Harada presentó en pantalla la historia de la joven Midori, quien tras la enfermedad de su madre y el abandono de su padre, tuvo que vivir en la extrema pobreza vendiendo camelias, pero ese es solo el principio de esta historia que por su crudeza, llevó a las autoridades japonesas a incautar y destruir las copias originales de este filme.

Uriel Monterrubio, Colaborador.

Perfect Blue (1997) Satoshi Kon

Esta cinta de thriller psicológico del director Satoshi Kon, supuestamente fue la fuente de inspiración para El Cisne Negro de Daron Aronofsky con Natalie Portman. Perfect Blue (パーフェクトブル o Pāfekuto Burū) fue escrita por Sadayuki Murai y es una adaptación de la novela Perfect Blue: Complete Metamorphosis de Yoshikazu Takeuchi. La trama sigue a Mima Kirigoe, una ex-cantante vuelta actriz que es acosada y termina confundiendo la realidad con la ficción. Kon, quien también destaca por su dirección en otra cinta animada galardonada, Paprika, explora los temas de la fantasía entrelazada con la realidad en un contexto escalofriante; Mima huye de una amenaza que quizás solo esté en su cabeza y la cinta, animada por el estudio Madhouse, hace que el espectador dude con ella. La crudeza de los asesinatos que se muestran en pantalla, así como la travesía de la protagonista por su creciente locura y pérdida del control sobre la realidad, crean una atmósfera que definitivamente no es un espacio seguro para niños.

Ana Regina González, Colaboradora.

Persépolis (2007) Directores: Vincent Paronnaud y Marjane Satrapi

Basada en la aclamada novela gráfica de Marjane Satrapi del mismo nombre, Persépolis nos refleja la vida de su autora, quien vivió en carne propia como su natal Irán se convertía en un lugar controlado por el miedo. Paralelamente, Satrapi nos muestra como es estigmatizada por su lugar de origen, y como poco a poco se convierte en una extraña para su familia, para sus amigos y para ella misma. Una entrañable obra acerca de la identidad y el enorme dolor que supone perderla cuando todo lo que crees se desmorona en un abrir y cerrar de ojos.

Uriel Monterrubio, Colaborador.

Vals con Bashir (2008) Director: Ari Folman

Ganadora del Globo de Oro a Mejor Película de Habla no Inglesa, esta cinta autobiográfica cuenta como el director israelí Ari Folman se reunió con algunos excompañeros suyos de la guerra de Líbano para descubrir que mientras otros sufren traumas horribles a consecuencia de esta guerra, Folman no recuerda nada, para lo cual, seguirá indagando para poder resolver el rompecabezas en el que se ha convertido su mente tras lo acontecido durante sus años de servicio. Un impactante recordatorio sobre las atroces secuelas de la guerra.

Uriel Monterrubio, Colaborador.

Mary and Max (2009) Director: Adam Elliot

Mary and Max es una película de animación stop motion que fue escrita y dirigida por el australiano Adam Elliot. La historia narra la relación de más de 20 años entre Mary, una niña de ocho años que vive en Australia, y Max, un hombre con obesidad mórbida y síndrome de Asperger que vive en Nueva York.

A lo largo de la película, Adam desentraña lo que para Mary y Max es un mundo cruel y caótico, pues ambos viven en soledad y su relación a distancia es su única conexión con el mundo. Una historia que demuestra que la amistad no tiene límites y que los sentimientos carecen de barreras.

Adam Elliot supo abordar con delicadeza temas tan cruciales como la amistad, la soledad, el abuso y la ansiedad, demostrándonos que no importa la distancia ni los obstáculos, el cariño y la fraternidad siempre están al alcance de todos. El poder que tienen el papel y la tinta en la vida de los personajes es también algo a tomar en cuenta, pues ambos encuentran en este un cobijo, pero sobre todo, un lugar seguro.

La película estuvo inspirada en la historia real de Adam Elliot con un amigo suyo que vivía en Nueva York y con quien mantuvo una relación de correspondencia por 20 años. Mary and Max le llevó al director australiano cinco años terminarla y estuvo nominada al Óscar en 2009 en la categoría de Mejor Película de Animación.

Una historia única, entrañable, conmovedora que sin duda no podemos dejar pasar.

Regina Aguirre Ramos, Colaboradora.

Anomalisa (2015) Directores: Charlie Kaufman y Duke Johnson

Anomalisa se convirtió en un clásico automático gracias a su característica animación y la profunda temática que aborda. Un hombre de mediana edad comienza a ver y a escuchar a todo el mundo con el mismo rostro indiferente y la misma aburrida voz hasta que conoce a una mujer que por primera vez en años, suena distinto, y le devuelve por un breve momento, la alegría de vivir. Esta crítica a la rutina y al desapego de las relaciones intrapersonales crea en el espectador una profunda introspección acerca de sus motivaciones, anhelos y sueños en un punto de la vida en el que, muchos creen, ya no existe nada nuevo.

Uriel Monterrubio, Colaborador.

Loving Vincent (2017) Directores: Dorota Kobiela y Hugh Welchman

Loving Vincent es una obra de arte en movimiento, que a través de su impresionante animación hecha de 65 000 fotogramas creados con pinturas al óleo de 115 diferentes artistas que recrearon el trabajo de Van Gogh, nos narra los últimos años de vida del incomprendido artista neerlandés y cómo fue percibido durante y después de su vida. Una cinta trágica, conmovedora y dramática que destaca en todos los aspectos, y que definitivamente, inmortaliza y humaniza aún más la figura del genio de Van Gogh.

Uriel Monterrubio, Colaborador.

The Breadwinner (2017) Directora: Nora Twomey

Basada en el cuento homónimo de Deborah Ellis, The Breadwinner nos narra la historia de Parvana, una niña afgana que tras ver como se llevan a su padre a la cárcel sólo por defenderla, esta se ve en la difícil situación de disfrazarse como un niño para sostener a su rota familia. The Breadwinner es una travesía muy emotiva de principio a fin. Desde su exquisita animación hasta su cruel argumento, la cinta nos cuenta los horrores que se traducen en el día a día de la comunidad afgana, poniendo en tela de juicio los valores de toda una cultura que han sido la clave de su autodestrucción. Una joya oculta en el catálogo de Netflix.

Uriel Monterrubio, Colaborador.

Isle of Dogs (2018) Director: Wes Anderson

Wes Anderson fue nominado en la 90º edición de los Premios de la Academia dentro de la categoría Mejor Película Animada tras el lanzamiento de Isla de Perros

Isla de Perros es una película con un humor crudo y emotivo. La historia narra un futuro en el que, tras un brote de gripe canina, todos los perros son desterrados a una Isla llena de basura para que no contagien a a nadie más en la ciudad de Megasaki, Japón. 

Los perros, ya acostumbrados a estar solos, se sorprenden al descubrir a un niño que viajó a la Isla de Basura para buscar a su perro, Spots, y con la ayuda de cinco canes, busca regresar a las mascotas a la ciudad donde pertenecen. Protagonizada por Bryan Cranston, Koyu Rankin, Bill Murray y Scarlett Johansson, entre otros, la película retoma el stop motion detalle a detalle, resaltando la imperdible paleta de colores de Anderson, siendo su más reciente trabajo animado.

Sofía Salazar Martínez, Colaboradora.

I Lost My Body (2019) Director: Jérémy Clapin

La película francesa de Jérémy Clapin saltó todas las fronteras y se dio a conocer en diferentes partes del mundo por su refrescante historia y única manera de contarla. I Lost My Body se estrenó a finales del 2019 a través de Netflix y fue nominada a Mejor Película Animada en la más reciente entrega de los Premios de la Academia, y previamente, fue galardonada en el Festival Cannes el año de su estreno.

La historia comienza cuando una mano cortada escapa de un laboratorio en París en busca de su cuerpo. Durante su viaje, la película retoma momentos del pasado y futuro de Naoufel, el protagonista, desde su niñez hasta el momento en que sucedió este accidente. Naoufel, que está enamorado de una bibliotecaria, poco a poco revela la historia de cómo la conoció, dirigiéndose a un final cargado de melancolía.

I Lost My Body cuenta con más de diez premiaciones en diferentes categorías alrededor del mundo, y es protagonizada por Hakim Faris, Victoire Du Bois y Patrick d’ Assumçao.

Sofía Salazar Martínez, Colaboradora.

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