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1.- Jimi Hendrix

Jimi Hendrix detonó nuestra concepción de lo que el rock podía ser: manipuló la guitarra, el trémolo, el estudio y el escenario. En temas como “Machine Gun” o “Voodoo Chile”, su instrumento es como una vara de percepción de los turbulentos años sesenta, puedes escuchar los disturbios callejeros y las bombas de Napalm que caen desde los cielos de su “Star-Spangled Banner”. Tocaba sin esfuerzo. La canción más bella del canon de Jimi Hendrix es “Little Wing”. Si eres guitarrista, podrías pasarte la vida entera estudiando los detalles, pero jamás descubrirás los secretos de lo que él tenía. Hendrix entreteje perfectamente los acordes con las notas sueltas y luego utiliza progresiones que no aparecen en ningún libro de teoría musical. Sus riffs son como una aplanadora funk y pre-metalera, y las líneas de sus solos una especie de viaje de ácido y electricidad que te conduce a una bifurcación en el camino.

Escucha: “Purple Haze”, “Foxey Lady”, “The Star-Spangled Banner” y “Hey Joe”.

2.- Eric Clapton
Por Eddie Van Halen

En realidad, Eric Clapton es el único guitarrista que ha sido una verdadera y única influencia en mí, a pesar que mi estilo no se parece en nada al suyo. Su manera de tocar ostenta una simplicidad primordial y su estilo, vibra y esto no es más que un eco de este hecho. Conectaba su guitarra Gibson a un Marshall y eso era todo. Lo más básico. El blues. Sus solos eran melódicos y memorables, justamente así deben ser los solos de guitarra: sólo una parte de la canción. Podría tarareártelos.

Escucha: “Bell Bottom Blues”, “Crossroads” y “White Room”.

3.- Jimmy Page
Por Joe Perry

Lo que Jimmy Page hace en la guitarra puede transportarte. El solo de “Heartbreaker” es increíble por su inmediatez; como si estuviera en la orilla del desfiladero de su propia técnica y la gente sigue volviéndose loca cuando lo toca en vivo. Jimmy edificó un catálogo increíble de experiencia con The Yardbirds y su trabajo como músico de sesión, así que durante la grabación del primer disco de Led Zeppelin él ya sabía exactamente cuáles eran los sonidos que necesitaba.

Escucha: “Dazed and Confused”, “Heartbreaker” y “Kashmir”.

4.- Keith Richards
Por Nils Lofgren de The E Street Band

Recuerdo cuando escuché “Satisfaction” por primera vez; estaba en la secundaria, pero sobre todo recuerdo lo que dicho tema me hizo sentir: me asustó. Keith escribió muchos temas con dos o tres notas y todos ellos han demostrado ser mucho más poderosos que cualquier solo de guitarra. Recuerdo cuando se me ocurrió practicar la parte del coro de “Beast of Burden”, pensé: “Los acordes son correctos, pero nada de esto suena a Keith”, la afinación era lo máximo: un acorde hermoso que parece una voz que canta. Así es la médula de todas las partes grandiosas de guitarra de cualquier disco de The Rolling Stones. Keith siempre encuentra la afinación perfecta para impedir que el trabajo –me refiero al trasteo, al muting en las cuerdas– se interponga u obstaculice la expresión de sus sentimientos.

Escucha: “(I Can’t Get No) Satisfaction” y “Gimme Shelter”.

5.- Jeff Beck
Por Mike Campbell de The Heartbreakers

Jeff beck sabe combinar brillantemente la técnica con la personalidad como si nos estuviera diciendo: “Soy Jeff Beck y aquí estoy, será imposible ignorarme”. Incluso en The Yardbirds su tono era melódico así como directo y golpeador, luminoso, apremiante y filoso, pero al mismo tiempo dulce. Uno podía caer en cuenta de que se trataba de un ejecutante serio y que ninguna otra cosa le interesaba. No se guardaba nada. Jeff no se entromete, pero tampoco cede terreno, dominando la maestría en poder tocar junto y alrededor de un vocalista, respondiéndole, presionándolo, ahí radica la belleza del par de discos que grabó con Rod Stewart.

Escucha: “Beck’s Bolero”, “Freeway Jam”, “A Day in the Life”, “I Ain’t Superstitious” y “Heart Full of Soul”.

6.- B.B. King
Por Billy Gibbons

Las influencias de B.B. quedaron establecidas a muy temprana edad. Como nativo de Indianola, Mississippi, él puede retroceder lo suficiente para regresar el sonido de los campesinos y de las figuras del blues, entre ellos Charlie Patton y Robert Johnson aunque el fraseo de una sola nota de T Bone Walker es otra cosa. Podemos escuchar estas influencias en la selección de melodías que no sólo canta con la boca sino que también permite que su guitarra lo haga instrumentalmente.

Escucha: “3 O’Clock Blues”, “The Thrill is Gone” y “Sweet Little Angel”.

7.- Chuck Berry
Por Keith Richards

Cuando vi a Chuck Berry en el festival “Jazz On A Summer’s Day”, yo era un adolescente y lo que me dejó impresionado fue su manera de ir a contracorriente, tocando algo que no tenía nada que ver con el resto de los jazzistas. Todos eran buenísimos pero su actitud era la típica del jazzista: “Eso que llaman rock & roll…”. Con “Sweet Little Sixteen”, Chuck tomó el escenario por asalto a pesar de la antipatía de todos los presentes, en mi opinión eso es el blues, esa es la actitud y esas son las agallas que se requieren. Yo quería ser así, pero mi piel era blanca.

Escucha: “Johnny B. Goode”, “Maybellene” y “Roll Over Beethoven”.

8.- Eddie Van Halen
Por Mike McCready de Pearl Jam

Tenía 11 años y estaba en casa de mi maestro de guitarra, cuando de pronto se escuchó “Eruption” en el estéreo, sonaba como si viniera de otro planeta, yo comenzaba a aprender los acordes básicos y cosas como AC/DC y Deep Purple, y no le encontraba el sentido a “Eruption”, pero me pareció gloriosa. Eddie es un maestro del riff: “Unchained”, “Take Your Whisky Home”, el comienzo de “Ain’t Talking ‘Bout Love”, los sonidos que saca no siempre suenan como de guitarra, muchas armonías y texturas brotan gracias a su estilo de plumilleo.

Escucha: “Eruption”, “Ain’t Talking ‘Bout Love” y “Hot for Teacher”.

9.- Duane Allman
Por Robert Randolph

Crecí tocando la guitarra en una iglesia y la idea consistía en imitar la voz humana. Tan sólo en esos términos, Duane Allman fue quien llevó todo al siguiente nivel, él solía ser mucho más preciso que todos sus predecesores. La primera vez que escuché todos los discos viejos de The Allman Brothers, me pareció muy extraño porque los sonidos eran realmente similares a la música con la que crecí.

Escucha “Layla”, sobre todo cuando pasa a la parte final, Duane se desliza con su slide a lo largo y ancho de la melodía; yo repetía esta canción una y otra vez mientras intentaba dormir.

Escucha: “Statesboro Blues”, “Whipping Post” y “Blue Sky”.

10.- Pete Townshend
Por Andy Summers

Pete Townshend no acostumbra tocar muchos solos, por lo cual mucha gente no sabe lo bueno que realmente es. Pero para el rock es uno de los más importantes. Su guitarra rítmica es agresiva y extremadamente emocionante, tiene una conexión fluida y maravillosa, no es algo que puedas ver todos los días y su forma de tocar es como un reflejo de su personalidad. Es intenso, es el primer punk, el primero que destruyó una guitarra sobre el escenario, una auténtica declaración que dejó a todos sin aliento; pero a la vez, estamos hablando de una persona culta y articulada, le encanta el jazz y alguna vez me dijo que eso era lo que en realidad se le antojaba tocar.

Escucha: “My Generation”, “I Can See For Miles” y “Summertime Blues”.

11. George Harrison
Por Tom Petty

George Harrison y yo estábamos en el auto, cuando de pronto empezó a sonar la canción “You Can’t Do That” de The Beatles, el principio era hermoso, un riff de una guitarra de 12 cuerdas, él me dijo: “Eso fue idea mía”, “¿En serio?”, exclamé yo, a lo que George contestó y explicó: “Estaba parado y de la nada pensé: ‘¡Tengo que hacer algo!’”; eso dice mucho de su forma de ser, siempre que se le metía algo en la cabeza no paraba hasta lograrlo y eso fue parte primordial de la magia de The Beatles, nunca paraban hasta lograr lo que se proponían. George se sabía de memoria los solos más raros de Elvis; el rockabilly fue su influencia más importante pero siempre le gustó añadir detalles.

Escucha: “I Saw Her Standing There” y “Something”.

12.- Stevie Ray Vaughan

A principios de los años ochenta, MTV comenzaba su ascenso y la guitarra de blues estaba a años luz del centro neurálgico de la música comercial, pero Stevie Ray Vaughan te obligaba a prestar atención. Había absorbido los estilos de los grandes del blues y su tono bestial, su virtuosismo casual y su impecable manera de mecerse podía convertir un blues arrastrado como “Pride and Joy” en un tema duro y casi metalero.

Escucha: “Love Struck Baby”, “Cold Shot” y “Look at Little Sister”.

13.- Albert King

Cuando Jon Landau, reportero de Rolling Stone, le preguntó a Albert King en 1968 quiénes eran sus influencias, King respondió: “Nadie. Todo lo que hago está mal”. Pionero del blues eléctrico, King (quien era zurdo) tocaba al revés una Gibson Flying V modelo 1959 para diestros, con las cuerdas graves en la parte inferior, su manera de afinar fue siempre secreta e indescifrable, tocando las notas con el pulgar. King podía tocar las notas mucho más fuertes y en una forma más poderosa que cualquier otro guitarrista y sus discos influyeron a toda una generación.

Escucha: “Born Under a Bad Sign” y “As the Years Go Passing By”.

14.- David Gilmour

Como productor y compositor, David Gilmour, de Pink Floyd, se siente atraído por texturas flotantes y oníricas, pero cuando se pone la Stratocaster con el fin de tocar un solo, una sensibilidad opuesta toma las riendas y lo posee. Él era un solista feroz, con una sólida base de blues, en un grupo que en realidad no tocaba nada de blues, sus solos elegantes, expansivos e implacablemente melódicos eran sorprendentes y vigorizantes.

Escucha: “Comfortably Numb” y “Shine on You Crazy Diamond”.

15.- Freddy King

Entrevistado en 1985, Eric Clapton dijo que el lado B del sencillo para “I Love the Woman”, lanzado por Freddy King en 1961, “representa la primera vez que yo escuché una guitarra eléctrica líder, con todo y las notas retorcidas… Fue una especie de iniciación”. Clapton compartió el amor que sentía por King con sus compañeros británicos, héroes de la guitarra como Peter Green, Jeff Beck y Mick Taylor.

Escucha: “Hide Away”, “Have You Ever Loved a Woman” y “The Stumble”.

16.- Derek Trucks

Literalmente creció en la familia de The Allman Brothers, Derek Trucks (sobrino del baterista de la banda, Butch Trucks) empezó a tocar la guitarra cuando tenía nueve años y empezó a salir de gira a los 12. Tenía 20 años cuando tomó la guitarra del difunto Duane Allman en 1999, sus solos explotaban y tomaban diferentes direcciones, incorporando el delta blues, hard-bop jazz y el éxtasis del gospel sureño así como influencias de la India con ritmos raga.

Escucha: “Joyful Noise” y “Whipping Post”.

17.- Neil Young
Por Trey Anastasio

Si tuviera que dar una clase de guitarra a jóvenes, lo que haría en la primera clase sería poner el solo de un minuto de la canción de Neil Young, “Down by the River”; eso sólo una nota pero es tan melódica que simplemente ruge con gran actitud y enojo. Es como si intentara en una forma muy desesperada conectar, Neil toca como si una arteria de su corazón tocara directamente al público.

Escucha: “Down by the River” y “Mr. Soul”.

18.- Les Paul

Les Paul quien es mejor conocido como el genio que inventó la guitarra con un cuerpo sólido y que lleva su nombre, era tan imaginativo como guitarrista, “él producía los mejores sonidos de guitarra en los años cincuenta y no hay nadie que se le acerque”, dijo Brian Wilson.

Escucha: “How High the Moon”, “Vaya con Dios” y “Tiger Rag”.

19.- James Burton

Su estilo es brillante, conciso y fresco, es uno de los sonidos únicos en la música country que tiene influencias en los guitarrazos rockeros. “Nunca compré un disco de Ricky Nelson”, dijo Keith Richards, “pero sí compré los de James Burton”.

Escucha: “Hello Mary Lou”, “Susie Q” y “Believe What You Say”.

20.- Carlos Santana

Nuestro compatriota, Carlos Santana, terminó sus estudios de preparatoria en San Francisco en 1965, cuando la escena música era explotada, exponiéndolo a un mundo de revelaciones que se convertirían en la llave de los estándares de la psicodelia de los ritmos latinos –blues eléctrico, ritmos africanos y jazz moderno, con sus mentores como Jerry Garcia y Peter Green de Fleetwood Mac.

Escucha: “Black Magic Woman”, “Oye Como Va” y “Soul Sacrifice”.

21.- Chet Atkins

Como productor ejecutivo en los años sesenta, Chet Atkins inventó el pop inteligente con un toque del sonido de Nashville que rescataron el country de su depresión comercial. Como guitarrista, era más creativo, dominando el country, jazz y los estilos clásicos, también perfeccionó la habilidad de tocar acordes y melodías al mismo tiempo gracias a su distintivo estilo de tocar con el dedo gordo y tres dedos.

Escucha: “Your Cheatin’ Heart” y “Wake Up Little Susie”.

22.- Frank Zappa

“Cuando estaba aprendiendo a tocar la guitarra, estaba obsesionado con ese álbum”, Trey Anastasio de Phish dijo esto en 2005 sobre el disco de Zappa de 1981, una colección de solos abrasadores y complicados, Shut Up ‘n’ Play Yer Guitar.

Escucha: “Willie the Pimp” y “In-a-Gadda-Stravinsky”.

23.- Buddy Guy

Buddy Guy se acostumbró a que le llamaran a su estilo “puro ruido”, desde su familia en la parte rural de Louisiana, hasta las cabecillas de Chess Records, Phil y Leonard Chess. No me dejaban explayarme como yo quería”, dijo el músico. Guy se convirtió en la principal influencia para los titanes desde Jimi Hendrix hasta Jimmy Page.

Escucha: “Stone Crazy” y “First Time I Met the Blues”.

24.- Angus Young

“Yo no me veo como un solista” es lo que dijo el guitarrista principal de AC/DC sobre su estilo maniático. “Es como un color que añado a la emoción”. Jerry Cantrell de Alice in Chains lo llamó “El único Dios de la guitarra del blues y del rock”.

Escucha: “Highway to Hell” y “Bad Boy Boogie”.

25.- Tony Iommi
Por Brent Hinds de Mastodon

Recuerdo la primera vez que escuché a Black Sabbath, el vecino le prestó a mi hermano mayor el disco Masters of Reality, no dejábamos de ponerlo. Lo escuchábamos con las luces apagadas, con velas prendidas y cuando mi padre entró al cuarto se asombró y gritó, “¿Qué es todo esto?”, lo rompió en nuestras caras; pero la música me había llegado como si fuera un rayo. En verdad entro como a la zona Iommi cada vez que me cuelgo una guitarra. Tony es un pionera metalero, a pesar de la finura que tiene al tocar, no es tan rápido; su fraseo tiene una vibra tan clásica y toda mi inspiración se la debo a la emoción que me dio Tony.

Escucha: “Iron Man”, “Sabbra Cadabra” y “Children of the Grave”.

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Por Ximena Nagano

Estamos listos para recibir las novedades que el 2012 tiene que ofrecer, y no será de asombrarse que mientras escribo estas líneas varias marcas automotrices estén presentado modelos 2013, mientras eso sucede, haré un recuento de algunas de las novedades más esperadas y que sin duda nos dejaron con un buen sabor de boca durante el reciente año concluido.

En el tema de los vehículos de alta demanda o producción, los asiáticos principalmente se pusieron las pilas mostrando nuevas propuestas y mejorando las generaciones de algunos modelos ya existentes. La marca del “zoom zoom” presentó el Mazda 2 que llevábamos tiempo esperando para el mercado de los jóvenes, comenzando en los $182 mil pesos y caracterizándose por su buen equipamiento sobretodo en el tema de seguridad. Suzuki por su parte brindó una nueva generación de Swift, más moderno en diseño, ahora ofreciendo una caja automática. Honda después de lidiar con Tsunamis e inundaciones y tras un esfuerzo continuo presentó la cuarta generación de la que hasta la fecha es líder de ventas en su segmento: Honda CR-V, poniendo especial énfasis en el consumo de combustible, conducción segura y equipamiento de entretenimiento. Nissan agregó a su catálogo dos modelos: Versa, el que hasta ahora se vende como pan caliente y Juke, un crossover extrovertido y que por su diseño causó controversia.

Las marcas americanas hicieron lo propio; Dodge en uno de los segmentos más competidos introdujo una renovada y agraciada opción del Attitude, con interesante relación valor-precio, Chevrolet con un nuevo modelo denominado Sonic también con su variante del Camaro convertible para los que buscan un auto musculoso y versátil. La marca Jeep cumplió 70 años y al mismo tiempo lo celebró con mejoras dinámicas y un diseño más salvaje para su Jeep Wrangler, ideal para los amantes del 4×4.

Los Premium no se quedaron atrás, Audi presentó un nuevo modelo, el A7 y la última generación del A6, lleno de avances tecnológicos, diseño estilizado y nuevas motorizaciones con mayor potencia; continuando con las marcas alemanas, BMW y su tercera generación de la serie 6 convertible; además tras siete años de espera, pudimos manejar y apreciar la segunda generación del serie 1, con un manejo prácticamente impecable pero ahora con caja automática de 8 cambios. Cadillac, con su versión deportiva CTS V Series de alto desempeño en pista, con 556 caballos de fuerza y un precio inicial de un millón 200 mil pesos. La italiana Lamborghini y su llamativo Aventador, produce 700 caballos de fuerza y lo convierte en una ostentosa joya por la que hay que esperar más de un año a que sea entregada y pagar más de $500 mil dólares.

No sólo aparecieron nuevos modelos o diseños en el apartado de los autos “nice”, también algunas marcas efectuaron su incursión en el mercado nacional, como fue el caso de la japonesa Infiniti y algunas regresaron con mucho más fuerza, como lo fue la italiana Alfa Romeo.

No podemos dejar de lado a los autos trendy. En esta categoría destacó el Fiat 500 ahora hecho en México, exportándose principalmente para el mercado americano, lugar donde ha causado un boom en ventas. Volkswagen con la nueva generación del Beetle, al cual ellos mismos definen como un auto más masculino. Mini, sorprendiendo con una versión todo-terreno para un auto de pequeñas dimensiones y con un modelo que pareciera aún más de juguete y divertido de manejar: Mini coupé.

Este año sin duda estará igualmente lleno de productos atractivos, con diseños cada vez más vanguardistas, versátiles y grandes innovaciones tecnológicas. Una prueba de ello será lo que se mostrará en el segmento de las SUVs ligeras, con la llegada de productos tales como Mazda CX-5, Audi Q3 o Ford Escape por mencionar algunas.

Por Juan Carlos Villanueva

A Brian Molko le gusta saltar al abismo sin paracaídas. Es como el suicida que se arroja a las vías para ser arrollado por el tren de su propia existencia. Un tipo introspectivo obsesionado por la demencia, los inframundos del ser humano y la tristeza más cruel. Si tuviera que describir con una sola palabra a Molko, sería: vertiginoso. Brian, que cumple 39 años este 10 de diciembre, es un tipo espontáneo, un roedor extraviado en una intensa reflexión sobre el laberinto que es la congoja y la existencia. En las rolas de Placebo, desfilan personajes caóticos que circulan en una periferia gris y neblinosa donde todos los señalamientos rezan: “¿La vida vale la pena de ser vivida?”. Sobre la realidad y el sueño, acerca de la rabia y la felicidad, sobre ese eterno hombre melancólico, un encuentro con
el vocalista y líder de Placebo.

A propósito del nuevo DVD/Blu-ray, We Come in Pieces, estar de gira, tantos hoteles, tantas personas. ¿No te vuelve esquizofrénico?
No, terminas acostumbrándote a esa locura. “¿Dónde está casa?”, me pregunto. Y descubro que la casa es donde está la gente que amas, con los que necesitas estar y que sin ellos no puedes vivir. Ahí es casa, el resto son destinos vacacionales.

¿Cuál fue la condición para seleccionar la lista de canciones?
Decidimos hacer sólo esas canciones que nos hacen estremecer. Tenemos una relación disfuncional con nuestro catálogo, es decir, con esas canciones que te hacer sentir enfermo. Esa es la condición, tocar las rolas que nos hacen sentir emocionalmente miserables.

Cuando terminas un disco, ¿te gusta escucharlo o simplemente cierras el capítulo y te mueves a lo siguiente?
No puedo escuchar un disco cuando ya lo terminé. Quizá lo hago porque tengo que salir de gira y tocar esas canciones. Pero trato de limitar esa sobre exposición a mi propia obra, no me gusta confundirme ni ser aprensivo. Suelo ser muy severo conmigo. Por ejemplo, el dvd ni siquiera lo he visto y, sinceramente, ni quiero hacerlo. Es algo muy doloroso para mi estar viéndome, se me hace una sensación muy extraña. Todo esto es algo positivo, de otra manera te vuelves obsesivo en querer perfeccionar lo que hiciste y terminas por perder el control. También me ayuda a no repetirme.

Has estado con Placebo durante casi 20 años, ¿has pensado en cambiar tu vida?
Claro. He tenido días en que me pregunto lo que me gustaría hacer si no estuviera en la banda. Se me han venido algunas ideas. Me gustaría ser un agente funerario, algo que tenga que ver con un oficio donde pueda hablar con las personas pero que ellas no me hablen. Me resulta muy enfermo relacionarme con la gente, puede ser un desperdicio de tiempo.

Los fans te tienen como un Semidios, cualquiera pensaría que eres un tipo seguro.
No soy una persona segura ni tengo confianza en mí. No es que me vea como un artista insignificante, sino más bien alguien que trata de volverse alguien bueno, alguien reconocido por su trabajo.

¿Se necesita valentía para ser artista y mostrar tu obra?
Superficialmente, se necesita valentía, pero creo que va más allá. Cuando lanzas un disco es una forma de masoquismo, porque te vuelves adicto a ese vértigo de emociones donde puedes ser juzgado y masacrado por la crítica. Cuando pones a la vista del ojo público tus composiciones, me siento  completamente inseguro, pero a la vez soy arrogante y sigo lanzando música. Los artistas son personajes que necesitan reconocimiento y admiración de personas que jamás conocerá.

¿Esa inseguridad se remite a tu infancia?
Desde mi infancia he sido un chico con confl ictos emocionales y de confi anza. Me ha afectado haciéndome un individuo amargo, melancólico e inseguro. Hay muchas emociones que no puedo evitar como el dolor y la rabia. Artística y emocionalmente me siento como un niño. Yo no quiero crecer ni deseo ser un adulto, quizás mi físico envejecerá, pero no mi espíritu.

Por Vanessa Grigoriadis

Florence Welch, la británica “coral de cámara-pop” de 25 años, como ella misma se describe, se ha convertido en una especie de Björk para la generación Twilight en los últimos años. Incluso Beyoncé es una fan, y ha dicho que su nuevo disco está influenciado por la música de Welch, “Me encanta ese disco”, dice Welch, “Lo he estado escuchando, tratando de averiguar en dónde está esa influencia, ¿tal vez en ese acompañamiento de guitarra?”. En el escenario junto a otros nueve músicos (incluido un arpista y tres coristas) que componen Florence and the Machine, Welch proyecta el personaje de una heroína romántica, elegante y etérea.

Ella canta sobre el amor perdido y la muerte hermosa, basándose en los mismos cuentos macabros que la fascinaban cuando era una estudiante de primaria (le encantaba las imágenes de Santa Agatha con sus pechos cortados, o los violentos mitos griegos sobre la extracción del hígado a Prometeo). En su nuevo álbum, Ceremonials, el drama de su primer disco, Lungs, se intensifica con guitarras más pesadas e imágenes que comparan explícitamente al suicidio con el enamoramiento, mientras habla sobre el placer que Virginia Woolf experimentó cuando se suicidó al colocarse piedras en los bolsillos y caminar a las profundidades.

Durante su tiempo de inactividad, Welch parece ser mucho más optimista, aunque sigue siendo una figura complicada, con emociones intensificadas que van desde una felicidad y autodegradación hasta una sensibilidad y ansiedad todo esto durante el tiempo que le toma terminar una copa de vino. “Definitivamente lloré como borracha anoche, eso de que no estas en verdad llorando, y que te ves lo menos atractivo”, dice, “es ahí cuando necesitas la mejor amiga para que te levante y diga, ‘¡Está bien!”. Este comportamiento podría atribuirse a su reciente ruptura con su novio de cuatro años, un editor de revista –cuando su nombre aparece, los ojos de Welch se llenan de lágrimas– o simplemente al estilo de vida lleno de giras y fiestas, aunque ella dice que no bebió cuando le abrió a U2 este verano: “Era como ser un gladiador en el Coliseo en esa gira; necesitaba mi energía”. Durante los últimos tres años, desde que Welch se volvió exitosa, ha estado de gira casi todos los meses. En este torbellino, no ha encontrado tiempo para salir de la casa de su madre al sur de Londres y aún tiene la misma habitación que ha tenido desde que tenía 13 años. “No he tenido tiempo de mudarme”, menciona, luego hace una pausa. “Si me muero, seguiré viviendo todavía en casa de mi madre, sería terrible”.

A los 18 años, welch se enamoró por primera vez de un guitarrista rítmico de una banda al estilo The Roots, The Libertines, y The Rolling Stones. “Nadie en la escuela quería salir conmigo, así que me enamoré perdidamente cuando por fin sucedió”, dice, “él me llevó a la locura”. Inscritos en la escuela de arte (“Hice un montón de dibujos para vomitar todo lo que tenía dentro o simplemente me dibujaba a mí misma como un pino, sufriendo”), acompañó a su novio a todos sus conciertos, abandonó la escuela y fue mesera en un bar de “estudiantes de arte y enfermos mentales”. Ella también comenzó a interpretar un par de canciones que escribió, como “Kiss With a Fist” en algunos sótanos y noches de micrófono abierto. “Yo no los llamaría conciertos, era más como ‘hay un micrófono, voy a gritar en él, son las tres de la mañana, y hay plástico de burbujas por todas partes…’”.

Tengo una confesión que hacer, al principio no comprendí bien la toma de Wall Street. Las primeras veces que fui al parque Zuccotti, salía con sentimientos encontrados. Me encantó la energía y estaba fascinado con la obvia sensación orgánica del movimiento, la manera en la que estaba creciendo por sí solo. Pero mi impresión inicial fue que no sería tomado muy en serio por los Citibank y los Goldman Sachs del mundo. Podrías poner 50 mil manifestantes enojados en Wall Street, incluso 100 mil y lo más probable es que Lloyd Blankfein no sudaría ni un poco. Él sabe que no despertará el día de mañana para ver a Cornel West o a Richard Trumka al mando de la Reserva Federal, sabe que las finanzas modernas son un parásito mecánico gigante, que solamente un cirujano experto puede eliminar. Pueden gritar y protestar todo lo que quieran, pero él y sus compañeros “Frankenstein financieros” son los únicos que saben cómo apagar la máquina.

Eso es lo que pensaba durante las primeras semanas de la protesta, pero empiezo a ver las cosas desde otro ángulo. La toma de Wall Street fue siempre mucho más grande que un movimiento en contra de los grandes bancos y las finanzas modernas, se trata de proveer un foro para que la gente pueda manifestar lo cansada que está, no sólo de Wall Street, sino de todo. Esto es un visceral, apasionado y profundo rechazo por la dirección que lleva nuestra sociedad, la renuencia a dar un paso más dentro del abismo de falsedad comercial, cálculo a corto plazo, idealismo marchito y bancarrota intelectual en la que la masa americana se ha convertido. Sí es posible ponerse en huelga en contra de tu propia cultura, eso es lo que está pasando ahora. El que tenga tanto alcance y tenga una motivación tan básica ha hecho que pase por encima de muchos, tanto de las ideologías políticas de derecha como de las de la izquierda.

Los medios de comunicación de derecha, no tardaron en atacar al movimiento con sus clásicos clichés idiotas, catalogando a la OWS (Occupy Wall Street, por sus siglas en inglés) como un puñado de sucios hippies que deberían encontrar un trabajo en lugar de estar mal gastando el presupuesto destinado para pagar los tiempos extra de la policía a cargo de Mike Bloomberg, con sus pijamadas urbanas. Tal cual lo hicieron hace medio siglo, cuando el debate sobre la guerra de Vietnam dejó ser acerca del por qué se estaban asesinando brutalmente millones de civiles Indochinos inocentes y se convirtió en un referéndum sobre pelo largo, mujeres sin sostén y retórica hippie, los depravados charlatanes de los medios de comunicación de la derecha han solapado descaradamente una generación de fraude, corrupción y pervertidos rescates comerciales, volteando todo el debate sobre los propios manifestantes –su higiene, su “envidia” de los ricos y su “hipocresía”–.

Los manifestantes, trinaba la Supreme Reichskank (es un juego de palabras haciendo referencia al banco de los Nazis y a lo maldita que es Ann Coulter, periodista sarcástica de Estados Unidos) Ann Coulter, necesitan tres cosas: “regaderas, trabajos y un punto”. Su colega Charles Krauthammer fue aún más allá al tachar a los manifestantes de hipócritas por tener iPhones. La Toma de Wall Street, dijo, son “Manifestantes tomando Starbucks, vestidos de Levi’s, aferrados a sus iPhones que denuncian a los corporativos americanos mientras lloran por Steve Jobs, titán corporativo, billonario ocho veces mayor”. Aparentemente, porque Goldman y Citibank son corporaciones, ningún manifestante puede consumir ningún producto corporativo –sin jeans, sin celulares y definitivamente sin café– si acaso quiere protestar el que sus impuestos estén pagando las apuestas de banqueros millonarios en contra de sus miserables hipotecas.

Todos nacemos deseando la libertad de imaginar un mejor y más bello futuro, pero América se ha convertido en un lugar tan tristemente confinado y predecible que estrangula hasta matar ese deseo innato. Todo desde nuestra cultura general hasta nuestra política y nuestra economía se siente opresivo y sin respuesta. Vemos 10 millones de comerciales al día y cada día es la misma persecución a punta de cuchillo por dinero, dinero y más dinero; lo único que cambia minuto a minuto es que cada tic del reloj trae consigo a otra era espacial de vendedores que sueñan con una nueva forma de venderte algo o de entrar en tu bolsillo. Esta implacable continuidad del sistema político de dos partidos comienza a sentirse como una pesadilla de Jacob Ladder que no termina; estamos entrando a otro turno de cuatro años de pan-con-lo-mismo y el sólo pensar en tener que emocionarme por otro pequeño cambio en el cuatrienio por la dirección hacia uno u otro polo de alienación por la mierda corporativa, es suficiente para que cualquiera quiera aplastarse la mano con un martillo.

Por Josh Eells

Lo peor de estar en el jet privado de David Guetta con destino a Ibiza es que el techo es algo bajo, así que cuando tienes que ir al baño luego de haberte tomado dos copas de champaña, tienes que agacharte para que tu cabeza no choque con el marco de la puerta. La segunda peor cosa de volar a Ibiza en el jet privado de David Guetta o de prácticamente de todo lo que hace es: nada. El avión de Guetta –un Cessna CJ3 bimotor–, piloteado por dos alemanes sonrientes llamados Thomas y Manuel, vuela a nueve kilómetros y medio sobre el Mediterráneo para dejar a Guetta en Fuck Me I’m Famous, el club nocturno donde es anfitrión semanalmente en Ibiza durante el verano. Es quizá la fiesta dance más conocida del mundo, donde gente como Dr. Dre o Jean Paul Gaultier suelen visitar. Hace un par de años se apareció Will.i.am y Guetta lo invitó a la cabina para hacer unas improvisaciones; quién que diga que esos minutos cambiaron el sonido del pop contemporáneo no exagera mucho. Con unas pocas excepciones notables (Daft Punk, Fatboy Slim), la música dance europea siempre ha sido una de esas cosas que EE.UU. simplemente nunca ha tenido, como Roberto Benigni, o el socialismo. Pero desde que los Black Eyed Peas convirtieron los pulsantes temas de Eurohouse en oro molido en las listas de EE.UU., con el hipermasivo “I Gotta Feeling” (que Guetta produjo) y “Boom Boom Pow” (que empleó el mismo sampleo que Guetta tocó esa noche para Will.i.am), el pop de EE.UU. se ha movido a un ritmo continental. Hoy en día, si escuchas las listas de popularidad en la radio es imposible no oír una canción que no suene como una producción de David Guetta (varias de hecho son sus producciones). Los títulos son intencionadamente genéricos e internacionales, “When Love Takes Over”, “Little Bad Girl”, “Without You”, pero su ubicuidad está convirtiendo a Guetta en una nueva entidad: un auténtico DJ estrella del pop.

Durante su adolescencia en París, Guetta siempre sabía que quería tocar discos. “Recuerdo una reunión con mis papás y mi maestra de matemáticas cuando yo tenía 14 años”, dice entre bocados de suflé de frambuesa, con el atardecer brillando a través de la ventanilla del avión. “Me decían, ‘Tú tienes un problema: no estás estudiando’, y yo decía, ‘Yo quiero ser DJ, ¡no necesito ser bueno en matemáticas!’”.

Poco tiempo después, empezó a tocar en un bar gay y a partir de ahí fue un trayecto lento pero seguro hacia encabezar festivales para 80 mil seguidores extasiados. “Siempre he tenido una buena conexión con la gente”, dice Guetta, “es lo más importante cuando eres DJ. Pero lo que realmente me hizo estallar fue cuando inventé ese nuevo sonido, electro mezclado con soul urbano. Ese se volvió el nuevo estándar de la música pop norteamericana hoy”.

Guetta habla de su éxito de forma muy práctica y lo suficientemente vivaz como para no sonar arrogante. (“Mucha gente cree que los franceses somos arrogantes, pero en realidad sólo decimos la verdad”). Pero también expresa con asombro la forma en que el hijo de un profesor de sociología judío-marroquí terminó reuniéndose con Bono y colaborando con Will.i.am en un proyecto para la NASA.

Por Jenny Eliscu

Desde que empezó a componer música a los 17 años, Lana Del Rey (nacida como Elizabeth Grant) ha juntado videos musicales caseros tristones y los ha subido a Internet. Hoy, a sus 24 años, ha hecho docenas de ellos, la mayoría con material que se ha encontrado y que concuerda con su estética de símbolo sexual sesentero y su actitud perra que dice “o manejas o mueres”. Cuando subió el videoclip de su canción “Video Games” esta primavera, no esperaba que encendiera su carrera. “Mis otros videos tenían como 11 visitas”, dice Del Rey, que viste una chamarra ajustada de cuero negro y un crucifijo con joyas, mientras toma un café en Manhattan. “Que mucha gente viera mi video no era algo que esperaba que pasara”. Pero muchos blogs de música le agarraron cariño a la canción, y Fearne Cotton, influyente DJ de la BBC Radio 1 empezó a tocar “Video Games”. En pocas semanas, las vistas superaron el millón; para el final de verano, Del Rey ya tenía trato con Interscope y se había ganado admiradores como Jessica Alba o Diplo que tuiteó, “Eres como Tupac y Chris Isaak al mismo tiempo”.

Del Rey, que creció en el estado de Nueva York, había empezado en conciertos pequeños en Manhattan y Brooklyn bajo el nombre Lizzy Grant antes de mudarse a la Gran Manzana por la escuela. Cuando tenía 20 años, el productor David Kahne, que recientemente había trabajado con Regina Spektor y los Strokes, aceptó producir su disco debut; cuando éste no tuvo un inicio exitoso, decidió dejar de lado la música. “Era como estar enamorada de alguien que no te corresponde, puede enloquecerte”, dice abriendo los ojos enmarcados con pestañas postizas. “Dejé de cantar y empecé a enfocarme en otras cosas como mi educación, leía mucho, buscaba trabajos en Craigslist”.

Reanimada, terminó por volver a agarrar las riendas y dice que ya ha escrito varias de las canciones para el disco que Interscope pretende lanzar el año que viene. En cuanto a los temas, ella se aferra a lo autobiográfico: “El amor es el tema más fácil de escribir porque lo conozco bien”, pestañea y continúa, “y la pérdida es igual de fácil porque también la conozco bien”.

El presidente Felipe Calderón engañó con la verdad.Tras la muerte de José Francisco Blake, el cuarto secretario de Gobernación en su gobierno, jugó con cartas abiertas. Llevó a Los Pinos a dialogar con él a dos ex presidentes del PAN, Luis Felipe Bravo Mena y Germán Martínez. En ellos, se dejó trascender en la oficina presidencial sin atajar la versión, se encontraban dos de los aspirantes al cargo en Bucareli. Uno más era el eterno candidato, Roberto Gil, secretario particular de Calderón, quien en una ocasión anterior se quedó en la antesala de ser nombrado.

El despliegue mediático era engañoso, pero en la Presidencia dejaron correr todo. Detrás de los muros del palacio, la realidad que se mantenía herméticamente era muy distinta. Bravo Mena y Martínez sí fueron sondeados para ir al gabinete, pero no Gobernación, sino para Educación Pública, ante la realidad objetiva de que si bien el aún secretario Alonso Lujambio no está en peligro de muerte, lo delicado de sus enfermedades le auguran una larga recuperación y la imposibilidad objetiva para cumplir las funciones plenas del cargo.

Estimado por el Presidente, Gil tiene anticuerpos políticos regados en todo el sistema nervioso en Los Pinos. El joven y talentoso político de 34 años, ha tomado la ruta contraria que Calderón, desde que comenzó el sexenio, tenía trazada para su proyecto transexenal en la figura de Juan Camilo Mouriño, segundo secretario de Gobernación que como Blake, murió hace tres años en un accidente de aviación. En el grupo de Calderón que coordinaba Mouriño, nunca estuvo Gil, quien se vinculó a los enemigos políticos de quienes apostaban por ese proyecto.

Gil, cuyo olfato político quedó a veces neutralizado por su ambición, alimentada por el hecho que el Presidente le había encomendado una parte importante de la política interna, con un diseño bicéfalo en cuyo otro extremo estaba Blake, no tuvo la visión amplia para poder ganar aliados y avanzar su carrera dentro de un equipo que venía operando estrechamente desde que Calderón fue secretario de Energía en el gobierno de Vicente Fox, quien lo despidió por haber lanzado su precandidatura presidencial sin autorización.

Ese equipo se fue con Calderón a la calle y aguantó el largo invierno en el que entraron. Pero ese mismo grupo se levantó con él y corrió de su mano hasta la Presidencia. Mouriño era el general de una pequeña legión en donde figuraban Ernesto Cordero y Alejandro Poiré. El primero, responsable de las políticas públicas en la campaña – el gran diseño original de gobierno que tenía en mente Calderón como Presidente electo y su secretario multiusos en casos de emergencia, como la crisis del virus A1H1–. El segundo, al que conocía Calderón desde que estudió la maestría de Economía en el ITAM, como el principal asesor político en Los Pinos.

Entrar a ese grupo, que había librado las peores tormentas, no era fácil. Patricia Flores, que se convirtió en la segunda mujer más poderosa del calderonismo –la más poderosa es la esposa del Presidente, Margarita Zavala–, y por cuya oficina en la Presidencia pasaban todos los asuntos de importancia gubernamental se enfrentó a todos ellos y perdió. Gil, que llegó tiempo después a la Presidencia, no pudo ver esa realidad. Cuando buscó ser presidente del PAN, Flores fue su principal aliada, y se enfrentó con Gustavo Madero, apoyado por la señora Zavala. Perdió. Cuando comenzaron los prolegómenos de la sucesión presidencial, Gil se inclinó por Josefina Vázquez Mota, con quien trabajó en la Cámara de Diputados, en abierta confrontación con Cordero, el heredero de Mouriño. Gil cometió un error más que no le perdonaron: buscar a los priístas, el monstruo de mil cabezas contra el que lucha el calderonismo, para que lo acercaran al ex presidente Carlos Salinas de Gortari.

Gil estaba eliminado como posible aspirante al cargo de secretario de Gobernación. La única interrogante era cómo el Presidente iba a reaccionar tras diez días de perro en su vida política: el asesinato de un cercano, el alcalde de La Piedad, Michoacán, en vísperas de la elección para gobernador, la derrota de su hermana Luisa María en esa contienda en la cual había invertido enorme capital político, la muerte de Blake, los reveses del Tribunal Electoral a los métodos de selección de candidatos del PAN, que fueron revisados con él. Pero Calderón reaccionó como es, un animal político en el espíritu aristotélico de la palabra, frío, calculador y sin perder el rumbo de su objetivo y proyecto.

Desde el mismo viernes de la muerte de Blake, el nombre de Poiré surgió como la principal carta en el abanico de posibilidades. Habría tiempo para el luto y había que esperar el resultado de las elecciones en Michoacán. Pasados los funerales y el trago de la derrota, Poiré se encaminó días antes de que se anunciara su nombramiento, hacia Bucareli. La señal volvió a ser clara. Calderón recurría una vez más a sus más cercanos en momentos de crisis, para el reagrupamiento.