A finales de los noventa, cuando aún no existían las palabras mash up, iPod o Coachella, salió el sencillo “Drinking in LA” que fue un vistazo a la inminente mezcla de géneros que sonarían en el nuevo milenio. La banda: Bran Van 3000 la cual está encabezada por James Di Salvio, que a pesar de ser canadiense tenían una fijación por California debido a que vivió cuando era un adolecente en la costa oeste de Estados Unidos: “Cuando empezamos estábamos emocionados en hacer nuevas cosas”, nos cuenta en entrevista previo a su vista a El Plaza el próximo 27 de enero.

Es por eso que las postales californianas fueron muy recurrentes al inicio de su carrera , en especial por la gran influencia que tuvo la ciudad de Los Ángeles en él: “Yo describiría a la ciudad como un baile colectivo que celebra los sueños hechos realidad. Creo que es una ciudad estupenda para poetas y para soñadores ya que Los Ángeles no es Hollywood como todo mundo piensa. Yo viví en un barrio mexicano, ahí aprendí mucho de su cultura y me interesa mucho”.

Con su álbum debut Glee hicieron un retrato chistoso de una ciudad angelina a finales de los noventa; con Discosis, su siguiente producción, se zafaron de ese estereotipo al no imponerse reglas dando como resultado un disco muy diverso con guiños a Nina Simone, la gran colaboración de Curtis Mayfield, una atracción africana por medio de Youssou N’Dour o sus primeros acercamientos al reggae: “En ese entonces la música era blanca o negra, nosotros acabamos haciendo un disco multicolor como un arcoíris”.

Después de Discosis hubo una pausa muy larga en la que la mayoría de la gente pensó que la banda había desaparecido, pero en realidad Di Salvio tuvo un retiro musical para comprender que hay más vida más allá de la estructura básica de una canción. Para llegar a ese nirvana, armó el proyecto Rainbows In Black, el cual lo alejó de la música pop y lo acercó a la música clásica debido a que estaba en un periodo de búsqueda creativa y personal.

Después siguió Rosé, que en palabras del propio Di Salvio fue una celebración hacia el crecimiento del hip hop en Estados Unidos, por lo que invitó a muchos hip hoperos de Chicago, París y Nueva York: “Muchos usan la palabra colectivo pero yo prefiero usar la palabra bar porque es un lugar en donde la gente viene y va, pero cuando esta ahí se divierte mucho”.

Después de llenarse vibras americanas, decidieron regresar a Montreal y tuvieron la oportunidad de presentar un show al aire libre frente a 200 mil personas en donde se reunieron todos los personajes que han formado parte de este proyecto: “Fue muy emocionante porque hizo darnos cuenta de que debíamos hacer un álbum inmediatamente en vez de tardarnos cinco años por respeto al público que nos sigue”. Así fue como se creó The Garden, un disco inspirado en el romance, la poesía y la naturaleza.

Su próxima presentación en México será como el cerrar un ciclo desde su contacto con el México angelino y su aportación cinematográfica en México cuando escogieron la canción “Go Shopping” para la película de Y tu mamá también…: “Siento que este concierto va a ser como ir a un bar y por fin conocer a amigos que he tenido desde hace mucho tiempo”.

La banda se presentará el próximo 27 de enero en El Plaza Condesa. Más información aquí.

Por David Fricke

“Este es mi último día de trabajo”, dice felizmente Michael Stipe mientras pasea por las oficinas de Rolling Stone para dar su última entrevista como vocalista de R.E.M. En teoría sólo está promocionando su compilación de dos discos, Part Lies, Part Heart, Part Truth, Part Garbage 1982-2011, un viaje por el salvaje camino desde la pequeña escena post punk de Athens, Georgia hasta el reconocimiento mundial. Pero todo eso terminó el 21 de septiembre cuando Stipe, el guitarrista Peter Buck y el bajista Mike Mills anunciaron su separación –el baterista Bill Berry renunció a la banda en 1997–. Ahora Michael de 51 años pasa una hora recordando y pensando gustosamente en su vida fuera del mundo del rock. “¿Quién dice que tengo que ser un compositor?”, pregunta con una sonrisa en el rostro, “estoy en un punto en dónde no sé lo que el futuro tiene preparado para mí”. Tiene proyectos cercanos, los cuales incluyen un nuevo documental que él estará produciendo sobre las celebridades de Internet así como su trabajo como escultor; y lo hace oficial: No habrá un disco como solista. “Ahora mismo es inconcebible. ¿Cómo sonaría? ¿Cómo un R.E.M. derretido?

¿Cómo te sentiste el día que lo anunciaron, asustado, aliviado?
Estaba en Nueva York, Mike estaba en Athens y Peter en México, él quería estar tan lejos como pudiera. Yo estaba al pendiente por si las cosas se ponían feas, ya sabes, tener que ir al programa de Jimmy Fallon o algo así para aclarar que todos y todo estaba bien. Sentí la necesidad de mandar mensajes de texto, de hacer unas llamadas, luego caminé por Madison Avenue, entré a una cafetería, tomé un café, respiré hondo y profundo, me dejé llevar. He tenido contrato desde que tenía 22 años, he estado en una banda desde los 19, por fin estaba experimentando algo muy profundo por primera vez: libertad. Me di cuenta que era una persona libre. Mike y yo nos reunimos un par de días después y me dijo, “Es liberador”, [suspira] y pensé, “él siente lo mismo que yo”.

Mike me contó que habían estado hablando de la ruptura desde 2008. ¿Fue difícil guardar el secreto?
Sí lo fue. Tenía miedo de que se filtrara y si eso pasaba sabía que sería por mi culpa [sonríe]. No fue como si en una reunión nos sentamos a discutir dramáticamente, pero sabíamos que el fin del contrato se acercaba. También sabemos que somos cincuentones y que tenemos una vida a parte de R.E.M. Nosotros siempre supimos lo que no queríamos hacer, y en 31 años de carrera son innumerables las veces que alguien quiso empacar sus cosas y marcharse, pero resistimos y nos quedamos.

La primera vez que vi a R.E.M. fue en 1982. ¿Cuál era tu idea sobre la vida dentro del gremio musical en ese entonces? ¿Cuánto tiempo creías que les duraría el gusto?
Apenas el sueño adolescente de estar en una banda de rock estaba germinando, viajar alrededor del mundo y tener gente que te siguiera, pero no había pensado en el trabajo que eso significaría. Cualquiera puede hacer el ridículo, es lo más fácil, pero hacer las cosas bien, cosas valiosas para ti y los demás es totalmente lo contrario. Me cayó el 20 en el disco Document de 1987; yo sentía que si mi quitaba la playera para una foto, la gente me amaría más, tenía el cabello largo como el de Robert Plant –y creo que me veía bien–, pero de pronto sentí que yo estaba ahí por un propósito, las canciones no tenían que ser solamente sobre mis cosas para no convertirme en una persona injusta.

Por Verónica Galicia
Fotos: @Sofía Felguérez
Coordinación de moda: @Miguel Ángel Ángeles

Definir el sonido de una banda no es sencillo, mucho menos cuando se trata de un grupo como The Dresden Dolls: tragedia, poderosos golpes de piano, una vocalista de cejas tatuadas con medias rasgadas y una playera de The Who, al lado de un brillante baterista maquillado de mimo, que puntualiza cada golpe emocional.

Se autodenominan brechtian punk cabaret, que según ellos combina la dureza del punk con el drama del cabaret, sin embargo, si algo puede definir concretamente a la banda es la fuerte personalidad de Amanda Palmer (piano y voz del dueto), su ímpetu por mantener real la experiencia de ser un “performer”, su pasión y visceralidad.

Amanda Palmer y Brian Viglione – a quien Palmer considera uno de los mejores bateristas de su generación- decidieron reunirse en 2010 para celebrar el décimo aniversario de The Dresden Dolls. Desde entonces han agendado muy selectas fechas en vivo, acoplándose ahora con la gira solista de Amanda Palmer y su esposo, el escritor, novelista y guionista, Neil Gaiman.

En entrevista exclusiva para Rolling Stone, Amanda Palmer platicó sobre su música, su participación en Occupy Wall Street y sus siguientes planes.

Hemos escuchado en Internet algunas canciones nuevas como Ukulele Anthem o The Bed Song. ¿En qué estás trabajando actualmente?
Estoy trabajando en un nuevo disco solista para la primavera. No he decidido dónde grabarlo, pero sé que será en marzo. Va a ser mi próxima gran colección de canciones que he estado haciendo en estos años, contendrá muchas cosas que no se han escuchado, lo cual es el “especial de Amanda Palmer”; todos creen que tiendo a compartir todo (en línea) pero de hecho mantengo muchas cosas en la caja.

Tu música se puede escuchar en amandapalmer.net y también se venden a un precio muy bajo. ¿Cómo llevas a cabo el managment de tu música y media? ¿Trabajarías de nuevo con una disquera?
Trabajo con un set de managers, quienes también hacen mi publicidad desde hace cuatro años. Claramente me manejo sola, pero es como un partnership donde nos sentamos diariamente a definir qué es lo que vamos a hacer. Necesito estar disponible mundialmente y trabajar con diferentes distribuidores, pero no me interesa en lo absoluto trabajar con una disquera.

Recientemente hiciste un video, y para ello le pediste a la gente vía twitter que te prestaran un auto. ¿Cómo fue esta experiencia?
Fue genial. Fue un video con muy bajo presupuesto, había un equipo de tres personas donde uno fue voluntario, hubo un par de actores a quienes sí les pagamos, pero todos los demás fueron voluntarios. No rentamos equipo, gastamos muy poco en utilería y quizá el costo final del video fue de $1,000 dólares. No tuvimos una razón real para hacerlo excepto que realmente queríamos hacerlo. Y es así como termino haciendo muchas cosas de bajo presupuesto; no existen los recursos, pero existe el deseo, lo cual es muy frecuente.

Lo genial de esto es que ahora doy por hecho que vamos a conseguir los recursos. Todos se preguntan cómo vamos a hacer eso, y yo alzo la mano y les digo que no se preocupen pues no necesitamos comprarlo, que voy a preguntar y seguramente alguien tendrá lo que necesitamos para usar en la grabación. Y por lo general todo lo que necesitamos termina apareciendo en el set. También es mucho más divertido de ésta manera, porque se convierte un proyecto colectivo donde muchas personas contribuyen. Y al mismo tiempo, es mucho más sustentable porque al final de la grabación las cosas son prestadas. Si las tuviéramos que comprar ¿qué hacemos con ellas?. Tendríamos que ser extra creativos para evitar tirar todo a la basura.

Estuviste trabajando muy de cerca en el movimiento Occupy Wall Street y en otras ciudades de Estados Unidos. ¿Cómo te cambió esta experiencia?
Hablé con un par de amigos que también apoyan el movimiento y, puede que esto suene raro, pero cada día que fui a tocar a los campamentos y a conocer a la gente -me fui dos horas después a dar un show- regresaba a la casa de mis amigos, al hotel o a donde sea que me estaba quedando, y al acurrucarme en la tibieza de la cama en un cuarto con calefacción, no podía dejar de pensar en toda esa gente que estaba durmiendo afuera, especialmente cuando hacía frío. Y en lo fuerte que es eso, y cómo mi contribución era muchísimo más fácil.

Intento fuertemente todos los días no dar por hecho todo lo que tengo, tengo mucha puta suerte; yo quería ser músico y vivir de eso, y no sólo lo hice, sino que estoy rodeada de gente maravillosa que me apoya y me ayuda, tengo un marido maravilloso… Tengo mis problemas, pero tengo una vida genial.

Pienso en lo que puede pasar cuando estás muy cómodo, empiezas a cerrarte de todo lo que sucede en un intento de mantener lo que tienes. No tienes que ir muy lejos para darte cuenta que muchísima gente no tiene lo suficiente y eso es fundamentalmente injusto, al igual que el sistema de asistencia social de mi país.

Una de las cosas que también aprendí es que está generación está muy hastiada y difícilmente reacciona por estar acostumbrada que alguien más se encargue de todo. Se sienten alienados y poco efectivos. Aún con este movimiento, mucha gente que no esperaba que fuera cínica y se hartara, se dio la media vuelta y pensó que no debían molestarse pues era una gran pérdida de tiempo. Eso me rompe el corazón porque no es cierto; los seres humanos pueden cambiar cualquier cosa que quieran. Ha sucedido durante la historia y siempre será cierto, pero se tiene que tener la creencia que un grupo de personas puede levantarse y cambiar el sistema.

La prueba está ahí, ha pasado cientos de miles de veces en el transcurso de la historia de la humanidad, pero tienes que juntar un grupo de personas que crean que pueden hacerlo y lo harán. Estados Unidos se puede sentir muy grande e incambiable, pero pienso que aún hay individuos con poder suficiente para cambiarlo.

Cuando tocaste en el movimiento utilizabas el termino “ninja gig” (concierto ninja) ¿Nos puedes definir exactamente que es eso?
Yo llamo “ninja gig” a cuando estoy en alguna ciudad y anuncio vía twitter y en el blog dónde voy a dar un concierto gratis. Elijo el lugar, la hora y la gente aparece. Se hace sin amplificadores ni micrófono, sólo me paro en un bote de basura con mi ukulele y cumplo las peticiones de la gente. Es como una excusa para una fiesta: trato de hacerlo especialmente en ciudades donde el show no es para todas las edades, para que los menores de edad también tengan oportunidad de verme tocar, conocerme y pasar tiempo juntos.

¿Qué disfrutas más, el ninja gig o el concierto en sí?
En el ninja gig estoy en control total. Me gusta estar bajo mi propia agenda, me gusta estar bajo control de lo que estoy haciendo, cómo lo estoy haciendo, la duración del concierto. Es fácil de entender si recuerdas que yo soy una artista callejera; yo amo serlo y amo tocar en la calle.

Si quieres tener contacto directo con tus fans, esto es lo más directo que puedes llegar. Eres sólo tú y ellos, no hay nadie más involucrado, nadie más siquiera sabe que estás ahí. Puedes dar un magnífico concierto en una locación, pero siempre habrá sentimientos mezclados; la gente que está esperando para ir a su casa, gente preocupada si juntó el dinero suficiente con las entradas, la gente del bar que está trabajando… Hay toda este gente extra que no tiene nada que ver contigo ni con tu música, así que cuando tocas en medio de un campo no tienes que preocuparte por nada de eso, únicamente por lo que estás haciendo.

CONTINÚA LEYENDO LA ENTREVISTA CON AMANDA PALMER EN EL SIGUIENTE NÚMERO DE LA REVISTA…

The Dresden Dolls

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The Dresden Dolls por Sofía Felguérez

Reseña y fotos del concierto de The Dresden Dolls en el teatro Fru Fru

Ninja Gig de The Dresden Dolls en el Parque España

A tres meses del lanzamiento de Netflix en México, conversamos con Joris Evers, director de comunicación corporativa, quien nos adelantó el futuro de este servicio que revolucionó la forma de ver películas y series vía Internet y su impacto en nuestro país.

“Cuando estrenamos Netflix en América Latina, se lanzó en 43 países y el resultado es muy satisfactorio. México es uno de nuestros mercados más grandes en el continente, seguido de Brasil y es el país latino que ve más horas de streaming en total”, comentó Evers, quien visita nuestro país por tercera ocasión. ”, comentó Evers, quien visita nuestro país por tercera ocasión.

¿Qué nos puedes decir acerca del proceso de introducción de Netflix en el mercado latino?
Fue bastante complejo. La parte más importante y difícil fue obtener las licencias para los contenidos.

Tres meses después del estreno de Netflix en México, ¿Cómo percibieron la respuesta del público mexicano?
Nos gusta escuchar a nuestros clientes. Con respecto a nuestros suscriptores mexicanos, aprendimos que lo que quieren es que los contenidos estén en su idioma original. Estamos trabajando en ello y esperamos que a principios de 2012 la mayoría de los títulos estén disponibles en su idioma original, además de contar con la opción de elegir agregar subtítulos o escuchar el audio en español.

¿Crees que Netflix podría sustituir la renta de películas y ayudar a disminuir la piratería? ¿Qué opinas de los sitios Web que ofrecen contenidos descargables?
Creo que estamos ayudando a combatir la piratería puesto que Netflix es muy fácil de usar: con un click tienes acceso instantáneo. Hablando de los sitios Web que ofrecen contenidos descargables: pierdes tiempo, te topas con contenidos que no son lo que querías ver o son de mala calidad, a diferencia de Netflix, en el que la calidad es muy buena. Netflix aprende de ti y personaliza la experiencia. Es como tener tu propio videoclub, sin pasar horas buscando entre los anaqueles o salir de casa, ya que el servicio te sugiere lo mejor para ti, de acuerdo con tus gustos y preferencias.

¿Cómo ves la competencia con Total Movie y sitios similares que recientemente llegaron a México?
Este es un mercado en crecimiento, por lo que la competencia es bienvenida. Nosotros nos estamos enfocando en ser los mejores proveedores de streaming online y estaremos haciendo mejoras al servicio para ofrecer un servicio competitivo y de calidad.

En cuanto a contenidos, ¿Cuáles son los títulos más vistos en Netflix? ¿Planean ofrecer series o películas en exclusiva?
Tenemos muchos títulos que se han popularizado en México, los más solicitados son: telenovelas clásicas, El Chavo del Ocho, La Reina del Sur y María la del Barrio. Hemos comprado licencias de diferentes proveedores de contenidos, incluyendo empresas mexicanas como Televisa. También ofreceremos algunos contenidos exclusivos como un especial de Polo Polo, en tres capítulos que sólo estarán disponibles a través de Netflix.

A partir de hoy Netflix estará disponible para consolas Xbox 360, ¿en qué otros dispositivos tienen planeado ofrecer el servicio?
Iniciamos con Netflix en el PS3, computadoras personales y hemos ido agregando dispositivos como teléfonos con Android, tablets, Apple TV, televisores inteligentes y otras consolas como el Xbox. Para finales de este año, los usuarios de iPhone, iPodTouch y iPad en México podrán tener acceso a Netflix desde sus gadgets.

¿Qué mejoras planean ofrecer a los suscriptores en los próximos meses?
Netflix está en constante proceso de mejora. Hemos agregado 80% más títulos a partir de septiembre de este año y esperamos duplicar la cantidad de contenido alrededor de febrero y marzo de 2012.

Por último, ¿cuál es el siguiente paso de Netflix tras su expansión a América Latina?
Para el último trimestre del 2011 esperamos alcanzar las 1000 millones de horas de streaming. A principios de 2012 planeamos expandir el servicio a Irlanda y el Reino Unido y continuar mejorando la experiencia para ser el mejor y más grande servicio para ver películas y series on demand, ofreciendo contenido más variado y de calidad, por un precio muy bajo al mes.

En el marco del pasado festival Corona Capital, vino por primera vez a nuestro país una banda legendaria de los años ochenta, cuando el techno pop mandaba y la electrónica se simplificaba para llegar a los oídos más comerciales. Orchestral Manoeuvres in the Dark (OMD) tuvo tiempo de platicar con nosotros después de su presentación. “No sabíamos qué esperar realmente, no sabíamos qué canciones tocar. Nos quedamos cortos en las expectativas, ciertas canciones que no teníamos idea si los mexicanos se la sabían, como “Electricity”, pero toda la gente la cantó, fue maravilloso, la gente se volvió loca”, recuerda Paul Humphreys. “Fue un concierto maravilloso, estábamos muy nerviosos, nunca habíamos tocado aquí antes. Llegamos justo a tiempo porque el camión tomó el camino equivocado, así que llegamos sólo una hora antes, fue una locura, sólo cruzamos los dedos. Fue un comienzo muy bueno, porque una vez que el público escuchó la caja de ritmos de “Enola Gay” todo fue perfecto”, dice Andy McCluskey.

En México decimos que los años ochenta nunca se fueron, y cada vez que vienen bandas como The Cure, Depeche Mode y ustedes ahora, la gente se vuelve loca. ¿Cómo se mantienen frescos?
Andy: Es por la manera de cómo nacieron las canciones , es cómo queremos que suene, seguimos estando orgullosos de ellas. No entendemos cómo hay bandas que cambian sus canciones, como hacer una versión acústica, ¡tócala como la gente quiere que la toques y sobretodo como la recuerda!
Paul: Porque esa es la única manera que te puedes transportar en el tiempo. Si voy a ver a Kraftwerk no quiero oír una versión diferente, quiero escuchar la original, tal como la recuerdo en el disco. Vimos a Cindy Lauper e hizo una versión de “Girls Just Wanna Have Fun” en blues y no sonaba bien, el público estaba confundido, no sonó correcta para mí.

Tienen tantas canciones, ¿cómo es que seleccionan las 30 que tocarán durante una gira, o pueden tocar lo que quieran?
P.: Hay ciertas canciones que nos pueden linchar si no las tocamos porque son grandes éxitos. Hay canciones que tenemos que tocar.
A.: Tenemos una buena mezcla, siempre hay un pequeño porcentaje del público que son fans de corazón, que quieren oír “Bunker Soldiers”[risas].

Viendo Synth Britannia (documental de la BBC indispensable para todos aquellos que aman esta música), Andy recordabas cuando Kraftwerk tocó en Liverpool por primera vez y los conocieron ¿tienen relación con ellos?
P.: No es exactamente una relación, los conocemos, es muy fácil hablar con Wolfgang, Ralph es el último miembro original que queda de Kraftwerk, es el que tenía la “visión”. Fue bueno hacer un show con Wolfgang hace unos meses.
A.: Estábamos en Dusseldorf, nosotros somos de Liverpool y estaban celebrando la historia de la música de Dusseldorf, la música con la que básicamente crecimos, nuestra historia. Nosotros somos como las canciones adoptadas de Dusseldorf, olvida al pinche Liverpool, nuestra música es de Dusseldorf.

¿Tienen algunos proyectos paralelos?
P.: Vamos a tocar como The Cathedral este mes y otros pequeños proyectos.
A.: Pero básicamente esta es la parada y el final de History of Modern y afortunadamente espero poder descansar de Paul.
P.: Lo garantizo… y también escribir canciones y empezar el nuevo álbum.

¿Su show sólo será en este mes, o cómo funciona eso de The Cathedral?
A.: Si, somos sólo Paul y yo, de repente hacemos estos conciertos funky, como en dos piezas, antes que todo esto empezara, tocamos en el Eric’s Pub, lo reabrieron, nos pidieron que tocáramos, como en los viejos tiempos, por primera vez desde hace 32 años.
P.: Cuando nos subimos al escenario fue como un flashback.

OMD en el Corona Capital 2011

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OMD por Claudia Ochoa

Por Austin Scaggs

El nuevo álbum de The Black Keys se titula El Camino –pero el auto en la portada es un desgastado Dodge Gran Caravan–. “No es exactamente la misma, pero es similiar a la camioneta con la que nos fuimos de gira por dos años cuando empezamos la banda”, dice el cantante y guitarrista Dan Auerbach. “Todo el staff cabía en los asientos de atrás, y quitamos los de en medio para que pudiéramos dormir en el piso”. Durante esos años al comienzo de 2000, en la gira, cuando el aire acondicionado se descompuso un verano en el Oeste de Texas y Auerbach se despertó con la nariz sangrando, o cuando el baterista Patrick Carney accidentalmente derramó una botella con orina, The Keys nunca se imaginó cuán grande su dúo de blues-rock se volvería. Pero, tras su exitoso disco del año pasado, Brothers, The Keys –que grabaron El Camino junto con el productor Danger Mouse en Nashville, a donde recientemente se mudaron desde su ciudad natal de Akron, Ohio– está listo para encabezar festivales y presentarse en estadios en 2012. Auerbach se reporta desde Amsterdam.

El tipo que baila en el video de su nuevo sencillo “Lonely Boy”, es genial. ¿Quién es?
¡Derrick Tuggle! Había otro video más complicado –que protagonizábamos Pat y yo– pero decidimos desecharlo y usamos el baile de D-Tug. Estábamos detrás de la cámara cuando hizo ese baile único. ¡Estuvo increíble!

¿Cómo escriben las canciones Patrick y tú?
Cada una empezó en el estudio. Para Brothers, tenía todas las letras y la mayoría de los acordes antes de que empezáramos a grabar. Pero con El Camino, cada día comenzábamos desde cero. “Lonely Boy” empezó con ese riff inicial, Pat sacó un beat y la construimos desde ahí. Dije: “lonely boy”, y fue como: “¡Carajo! ¡Eso es bueno!”.

¿Todo el álbum es tan bueno como “Lonely Boy”?
Sí. Ese ni siquiera era el sencillo más obvio. El disco es realmente fuerte, melódicamente hablando, y es corto y al punto. Como Tom Petty & The Heartbreakers dijeron: “Don’t bore us, get to the chorus”. Ese fue el modelo que usamos.

¿Recuerdas la primera vez que conociste a Patrick?
Nos conocemos desde que tengo memoria. Nuestros hermanos eran amigos. Nos dijeron que nos juntáramos cuando yo tenía 17 años y Pat 16. Nunca hubiéramos salido, pero llegué a su casa con una guitarra y un amplificador, fuimos a su sótano y empezamos a tocar. Nos llevamos bien de inmediato.

¿Ha habido algún momento en el que te diste cuenta de que The Keys finalmente lo lograron?
No; aún no estamos en la portada de Rolling Stone [risas]. Pero algunos de los shows en estadios de Canadá este verano se sintieron como si estuviéramos en el Madison Square Garden. Fue algo loco ver todo y pensar: “Estamos a punto de llenar este enorme lugar”.

¿En qué más están trabajando en su nuevo estudio en Nashville?
Acabamos de terminar los discos de The Growlers y una chica de Memphis llamada Valerie June. Y recién terminamos el álbum que estoy produciendo para Dr. John, que estará increíble.

En el filme de 1953, The Wild One, Marlon Brando interpreta de manera legendaria a Johny Strabler, el líder de una pandilla de motociclistas llamada “The Black Rebels Motorcycle Club”.

Como si formaran parte de la película, los integrantes de la banda de San Francisco caminan por la vida con chaquetas de cuero, con peinados de la década de los cincuenta y una actitud a la James Dean en Rebel without a cause.

Tras su reciente visita a México, los integrantes de Black Rebel Motorcycle Club platicaron con Rolling Stone y aprovecharon para presentar a su nueva baterista, Leah.

¿Cómo fue crecer, musicalmente, en una ciudad como San Francisco?
Peter: Tú sabes, siempre es mejor otro lugar. Tuvimos nuestra historia ahí y estuvo bien. A mucha gente no le gustaba Black Rebel Motorcycle Club, no iban a nuestros conciertos porque éramos una banda local y tocábamos en cada bar en el que pudiéramos. Lo más difícil fue que no sentíamos la aceptación de nuestros amigos de otras bandas. Todo era una competencia. Nosotros no queríamos eso, deseábamos una comunidad o una unión especial. Fue difícil y lo sigue siendo. Como dije antes, siempre es mejor otro lugar.

¿Cómo fue el proceso de trabajo en su último disco, con la inclusión de Leah?
Robert: Era muy inspirador ese sentido de unión que tienes como banda. Contratar un baterista que tocara las canciones viejas, decirle qué hacer y demás. Teníamos una casa en Filadelfia y vivimos ahí como seis meses. Nos hartamos de nosotros mismos. Tuvimos buenos momentos y se sintió muy bien. Nunca supimos cómo sonaba el disco así que en ocasiones nos asustábamos mucho. No tuvimos mucho control sobre éste, así que si queríamos unirnos como banda teníamos que soltarnos totalmente. Leah es la responsable de todo esto, pues su sensibilidad y su capacidad para interactuar en ese tipo de ambiente nos ayudó demasiado.

Leah: (Robert) ¿En verdad crees que fue más difícil para mí?
Robert: Imagino lo que viviste, seguro fue muy difícil eso de integrarte.
Leah: Creo que llegué al punto en el que tuve que llevarme con ellos dos de la mejor manera posible. Saber qué era lo que el par quería de mí fue todo un reto.

¿Qué bandas están escuchando en estos momentos?
Leah: Tom Waits.
Peter: El último disco que escuché fue de una banda llamada Timber Timbre, son de Montreal y me sorprende lo buenos que son.
Robert: Sin Alley.

Reseña del concierto de Black Rebel Motorcycle Club en el Ibero Fest 2011

Tras su reciente visita a México, los integrantes de 30 Seconds to Mars aprovecharon para realizar un video chat con Rolling Stone. El trío platicó con la redacción sobre el cierre de la gira que han venido realizando desde hace dos años, así como del Record Guinness que ganaron precisamente por este enorme tour.

Es un gran logro el record Guiness que obtuvieron ¿qué pueden comentar al respecto?
Es chistoso porque siempre será parte de la historia de la banda y siempre recordaremos que nos esforzamos al máximo y nos llevamos al límite. No nos detuvimos cuando pudimos hacerlo (y cuando la gente nos decía que debíamos), al contrario, continuamos. Creo que cuando vas más allá, pasando las dificultades, se ve un avance y creo que lo sentimos como grupo, era un compromiso importante.

Es ir un paso más adelante y aplica en muchos otros aspectos, en nuestra vida, en el proceso de grabación, de diseño, de producción, de videos, si no te arriesgas no hay recompensa, “no pain, no gain”, el cliché es cierto. Ha sido un viaje increíble, no esperábamos que se desenvolviera como lo hizo, superó todas nuestras expectativas.

¿Qué nos pueden contar acerca de los conciertos que darán en Nueva York para cerrar esta gira?
Tendremos invitados especiales y haremos cosas muy especiales, serán shows únicos, algunos serán acústicos, otros con la banda completa, otros serán con colaboraciones, y es una manera de decir adiós y celebrar. Estamos contentos que sea en Nueva York, es una ciudad que queremos mucho.

¿Cuál es su siguiente paso? ¿Qué sigue para ustedes?

Por ahora no estamos pensando tanto en el futuro y ciertamente no lo hemos discutido, creo que necesitamos terminar la gira, tomar un descanso y tomar decisiones ya reposados; no con la cabeza de alguien que lleva dos años de gira. Es algo muy pesado, ciertamente hay cosas más difíciles, es como estar en un barco pirata sin poner pié en tierra firme, necesitamos aclimatarnos de nuevo.

Finalmente, ¿qué les gustaría decirles a sus fans?
Muchas gracias y los amamos. Especialmente México, ha sido un lugar importante para nosotros, desde el inicio hubo un sentimiento de emoción y pasión, este fue el primer lugar en donde sentimos esa profunda pasión y siempre recordaremos eso. Estamos muy agradecidos por ello.

Por Austin Scaggs

Paul McCartney pasó el verano presentándose en el estadio de los Yankees así como también en Wrigley Field. “El público está siempre muy prendido”, dice Paul McCartney de 69 años. Y este otoño, tampoco podrá descansar debido a la presentación de su documental íntimo, The Love We Make, dirigido por Albert Maysles, quien estuvo detrás de cámaras en el concierto de beneficencia
para la ciudad de Nueva York, el cual McCartney ayudó a organizar después del 11 de septiembre de 2011. En septiembre se estrenó su ballet, Ocean’s Kingdom, en Nueva York, y si eso no es suficiente, entrará a grabar su próximo material el cual contará canciones originales. Sir Paul toma unas vacaciones en una locación en Hamptons.

¿Cómo te sientes con la salida de tu nuevo álbum?

Me divierto mucho. Cuando éramos niños, la noche de año nuevo en Nueva York, mi papá solía tocar todos los clásicos en el piano. “When the red, red robin comes bob, bob, bobin”, canta y continúa con “Chicago, Chicago”, “Carolina Moon…”, ésa suena mucho mejor cuando estás borracho.

¿Qué fue lo que te inspiró para escribir la música para ballet?

El año pasado, no sabía nada sobre el ballet. Pero es emocionante cuando haces algo de lo que no tienes ni idea, lo cual es el sello de toda mi carrera. Como en The Beatles, que nunca supimos cómo hacer discos, o como John y yo que nunca supimos cómo escribir canciones.

¿Cuál es el tema del ballet?

Es una historia de amor donde el personaje principal es una princesa de un reino marítimo. Leí hace poco que dentro de cinco años habremos arruinado los océanos y habremos perdido millones de especies marinas. Por lo tanto el reino marítimo representa la pureza y el reino terrestre, que es un tipo de muchedumbre alebrestada que quiere terminar con el primero.

La agrupación catalana de electropop, Dorian, vuelve a México para la reedición mexicana de su disco La Ciudad Subterránea, en la que incluyen un par de sorpresas como las colaboraciones con León Larregui de Zoé y Lo Blondo de Hello Seahorse.

Con aire sereno y cálido, los integrantes de Dorian platicaron con Rolling Stone sobre lo que hay detrás de La Ciudad Subterránea.

¿Qué representa La Ciudad Subterránea?
Marc: Es el disco del que estamos más orgullosos; nos llevó 8 meses, y fue una grabación muy sufrida porque teníamos un nivel de autoexigencia muy alto, nuestro anterior disco tuvo mucha repercusión en España, repercusión que no esperábamos.

¿Presión creativa?
Marc: Sí, una presión creativa de superarnos, es decir, no atendimos a la presión popular sino a la presión creativa, y en este contexto fue un álbum muy sufrido porque cada verso ha sido escrito a sangre y cada nota lo mismo, cada canción ha sido traspasada mil y una veces, y el resultado final tuvo su premio. Es un disco que dos años después nos sigue dando muchísima satisfacción escucharlo y nos ha llevado a muchos lugares increíbles.
Belly: Es un disco muy bien apreciado por nuestro público, la gente lo ha recibido de brazos abiertos y lo ha hecho suyo. Es un orgullo, así que merece la pena un poco el parto (risas). Queríamos encontrar un sonido determinado, y lo encontramos.
Marc: Con La Ciudad Subterránea queríamos conseguir una mezcla de sintetizadores y guitarras que sonaran con muy buen sonido, y eso fue una gran dificultad en este disco. Llevar el rock electrónico en español a la década del 2000, y darle un discurso contemporáneo a la mezcla de sintetizadores y guitarras cantada en español.
Belly: Ahora estamos mucho más relajados, simplemente hemos empezado a trabajar con la banda en nuevas canciones sin más, sin ninguna presión, por puro placer de pasarlo bien y de empezar a hacer algo nuevo, que claro es muy sano. La verdad que todo está saliendo a pedir de boca.
Marc: Creo que estamos en el mejor momento en la historia de Dorian. Tanto como amigos, como músicos y lo estamos pasando muy bien girando La Ciudad Subterránea. Ahora lo estamos pasando muy bien haciendo canciones nuevas, parece que somos unos chavales que acaban de empezar.

Es muy urbano este disco, ¿por qué?
Marc: Hay varias ciudades que circulan por esta ciudad subterránea, entre ellas el DF, Madrid y Barcelona. Más que un lugar físico es un estado de ánimo, es un título en el que quisimos reivindicar la cultura underground, ya sea en forma de cómic, cine, música, locales o fotografía. Pensamos que la cultura underground es la auténtica generadora de nuevas ideas y generadora de libertad, la contraponemos a la cultura prefabricada de las transnacionales que intentan transmitir a los jóvenes. La ciudad subterránea es la reivindicación de la libertad por la vía de la independencia.
Belly: Somos dueños de todos nuestros movimientos.
Marc: Cada vez hay más bandas por todo el mundo, bandas internacionales de primer nivel que se autogestionan; estoy pensando en Wilco. Ahora esto es lo que se ve cada vez más, la autogestión y el hacer las cosas con el corazón, y claro, no parar de tocar. Se acabó el mundo del artista de fantasía. En el contexto de la música de los próximos años van a sobrevivir y van a prosperar las bandas que más trabajen y que más amen la música que hacen.
Bart: Esa filosofía lo que hace es que dependas de ti mismo y no de terceras personas, vas a recoger tanto como has trabajado, es algo directo. Y por eso dependes de tu creatividad, de tus canciones y de tu trabajo.

Noto en su música una gran influencia del pop rock español de los años ochenta.
Marc: Sí, empezamos con la intención común de llevar el sonido de nuestras bandas favoritas de la ‘Nueva Ola’, tanto española como de otros países, al siglo XXI. Actualizar el sonido de bandas que admiramos mucho como Radio Futura, Golpes Bajos, Parálisis Permanente, The Cure, Depeche Mode o Telephone; tomar esa esencia ‘nueva olera’ y traducirla a lo que es la sensibilidad de la década de los 2000. En realidad ese fue el propósito de Dorian cuando empezamos, y todo ello expresado en lengua española. Definitivamente la ‘Nueva Ola’ española, es una gran influencia en Dorian.
Belly: En esa época las bandas estaban muy a la vanguardia, eran bandas muy modernas, también se nota en los videos súper avanzados; había mucha sabiduría.
Bart: Se notaba una libertad creativa.
Marc: Ahora mismo creo que estamos viviendo una segunda ola del Rock en tu idioma.

¿Se consideran parte de algún movimiento?
Belly: Ahora en España hay un auge de la música en español independiente, no hay una corriente musical homogénea, todas son muy diferentes.
Marc: Hay un sentimiento en común generacional. Actualmente en España las bandas de música independientes de música alternativa están llenando salas más grandes que las bandas surgidas de las transnacionales. Es un fenómeno revolucionario parecido al que tuvo la ‘Nueva Ola’ de los ochenta, cuando bandas como Nacha Pop o Radio Futura conquistaron las lista de éxitos por encima de productos prefabricados. Ahora en España está sucediendo exactamente lo mismo, la nacional alternativa española que ha sido muy ninguneada durante los últimos veinte años, en los últimos 4, ha tenido una repercusión popular extraordinaria, con bandas como Vetusta Morla, El Columpio Asesino, Lori Meyers, Delorean, Love of Lesbian, Russian Red y Dorian; bandas que ahora son cabezas de cartel de los festivales de España, es decir, ya no son británicos, europeos o norteamericanos, son españoles, y ésta es la primera vez que pasa en la historia de la música en España.

¿Cuál es el motivo de su visita en México?
Marc: El motivo de esta gira por México es el hecho de que va a salir una reedición de La Ciudad Subterránea, en la cual, entre muchas otras cosas, incluimos un par de colaboraciones con Zoé y Hello Seahorse, “Simulacro de emergencia” y “Verte amanecer”, respectivamente. Ambas bandas nos gustan mucho.
¿Qué música escuchan en estos días?
Belly, Marc, Bart: Mucha música psicodélica de los sesenta y electrónica.
Pentangle, Metronomy, Miike Snow, Animal Collective, Zoé, Austin TV, Mademoiselle K, U.N.K.L.E., M83, Ataque de Caspa, entre otros.

Fechas:
Viernes 28 @Festival Cervantino.
Sábado 29 @Puebla (con Metronomy).