No fue una casualidad que la cita para conocer una de las propuestas más interesantes de la escena independiente mexicana, haya sido en los cuartos de ensayo y estudios de grabación ubicados en la calle de Monrovia, de la colonia Portales, ya que era como estar en un gimnasio musical donde varias bandas pulían sus sonidos para mejorar creativamente.

Es por ello que la plática con los miembros de URSS Bajo el Árbol fue fluida y relajada, ya que estaban muy emocionados porque los medios no sólo han dedicado bytes o tinta para hablar de ellos, sino porque entendieron el concepto que quisieron transmitir al crear melodías de larga duración repletas de rock progresivo, las cuales requieren que el escucha le dedique un poco más de concentración a lo que normalmente la agitada vida moderna exige.

La complejidad que los distingue no sólo radica en su música, ya que es una banda de seis integrantes que han logrado coordinar sus horarios para darse espacios para ensayar y madurar el proyecto de menos de dos años de vida, el cual fue formalizado al momento en el que se incorporó Samuel Cervantes, al igual que cuando llegó el bajista Alfredo Larrosa.

“Nos dimos cuenta de que estábamos haciendo algo que nos gustaba cuando entramos al estudio a grabar nuestras propias canciones sin hacer covers. En cada canción se reflejaba lo que estábamos viviendo y afortunadamente Adrián Terrazas, colaborador de The Mars Volta, logró que se volvieran perdurables,” nos cuenta Cristóbal, quien ejerce la labor de baterista en el grupo. Cristóbal también recuerda su primera tocada ante menos de 50 personas, y nos comenta que justo esos asistentes se han convertido en una especie de juglares que esparcieron la experiencia de presenciar la música diferente de URSS.

Su amor hacia la música progresiva se debe a que sus influencias son menos obvias y más rebuscadas, ya que se fueron a los orígenes de bandas más auténticas como The Music Emporium, Jeff Buckley o Can: “No nos damos cuenta de que la música es infinita y que nunca dejaremos de escuchar cosas nuevas y deberíamos de aprovechar que están a nuestro alcance,” nos cuenta Exael, guitarrista zurdo de la banda.

Su EP debut titulado LIN3AS M3NTAL3S fue literal una documentación en vivo, por ser grabado en directo y simultáneo para captar la esencia del grupo –producto de un muy buen compañerismo-, en el que por momentos el saxofón llevó la batuta de la improvisación: “Como dicen los músicos: Nos vemos en el estribillo”, bromea Rogelio, el otro guitarrista. Por lo mismo, ellos no están a favor de las producciones perfectamente grabadas, porque hasta en los mejores discos de jazz, los errores tienen un encanto que reflejan la realidad de un músico con sus virtudes y carencias.

Ahora la banda está entrando a una nueva etapa en la que cada integrante se convierte en una esponja, al rodearse de nuevas influencias al igual que leer y aprender cosas que les gustan para poder proyectarlas en su siguiente producción, la cual deberá ser un nuevo nivel sónico en el que la sicodelia también se incorporará no sólo como influencia, sino como uno de los ejes principales.

Antes de eso viene su presentación en el Vive Latino, la cual será un momento crucial de su carrera por el nivel de exposición en donde en tan sólo unos minutos, deberán convencer a todos de su propuesta, manteniendo la humildad y ganas de hacer música que los ha caracterizado.

Por lo pronto esperen en este mes un nuevo sencillo el cual -al momento de hacer la entrevista- tenía el nombre tentativo de “Las aves sin alas”, y cuya producción corrió a cargo del argentino Camilo Froideval, quien ha trabajado con Molotov y Dirty Karma, además de haber ganado un Grammy por la producción de Hombre Invisible de Ely Guerra, y que será el puente entre sus inicios y este nuevo paso.

URSS Bajo el Árbol

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URSS Bajo el Árbol por Oscar Villanueva

Más sobre URSS Bajo el Árbol en: urssbajoelarbol.bandcamp.com

El norte del país siempre se ha distinguido por su calidad musical; a mediados de los 90’s fue el boom de las bandas de Monterrey con la llamada “avanzada regia”, que tenía al frente a grupos como Control Machete, Zurdok, Plastilina Mosh, Jumbo y El Gran Silencio, por nombrar sólo algunos. En Tijuana, por ejemplo, surgieron bandas que lograron causar eco, como Tijuana No! que estaba integrada por Julieta Venegas y Ceci Bastida, además de lograr ser una ciudad con su propia disquera, Static Records.

Afortunadamente el mismo fenómeno se sigue repitiendo en otras partes de México, como en Baja California, de donde es originaria Carla Morrison y Juan Cirerol, que tras mucho esfuerzo ya han logrado conquistar la ciudad de México y siguen expandiendo sus sonidos.

Fue precisamente en Tijuana donde se llevó a cabo el festival AMFMF2011, que reunió a 31 bandas locales y 1 de Monterrey, las cuales se presentaron ante un público nacional y extranjero. Este evento está enfocado en dar un espacio para el talento local y ser un escaparate para bandas emergentes de diferentes géneros.

Juan Cirerol

Por el lado regional encontramos a Juan Cirerol, originario de Mexicali, quien acompañado de su guitarra interpreta corridos en los que habla de amor, desamor, pobreza, la frontera con Estados Unidos y la nostalgia alrededor de ser inmigrante.

Late Nite Howl

También en el lado folk, pero con temas en inglés, está Late Nite Howl, proyecto solista de Pablo Dodero, del grupo Mae Machino, quien con su voz hipnotiza a su audiencia con temas en inglés muy agradables al oído; aunque si se acompañara de más instrumentos podría muy bien sonar a bandas como Fleet Foxes.

Más información en: www.facebook.com/latenitehowl

Loopdrop

Para los amantes de los sintetizadores son muy recomendables los Loopdrop, de un sonido maduro y cautivador en 8 sintetizadores, que hoy podríamos catalogar dentro del dream-pop o synth-pop. En los 2000’s ellos lanzaron un EP en la disquera inglesa Roquetgirls.

Más información en: myspace.com/loopdrop

Mentira Mentira

El lado punk rock está encabezado por Mentira Mentira y The Electric Healing Sound, cuyo estilo nos remonta a los 80’s con grupos como Television o The Damned.

Turnaway

myspace.com/mentiramentira

The Electric Healing Sound

Celofán

Shantelle y Celofán dan un rock-pop agradable al oído, con secuencias shoegazeras, guitarras y bajo en los cuales se encuentran semejanzas con The Radio Dept. o con My Bloody Valentine.

myspace.com/celofan

Shantelle

La Diabla

La Diabla y El Hijo de la Diabla se encargan del lado cumbianchero-tropical. Por su parte, El hijo de la Diabla tiene una propuesta electrónica más al estilo del Instituto Mexicano del Sonido y Nortec.

El Hijo de la Diabla *Demo (Leakeando end of the world shit) by El Hijo De La Diabla

Estos son sólo algunos de los muchos grupos que están surgiendo de este semillero de talentos conocido como Tijuana, del cual no hay que perder la vista.

La música en Tijuana

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La música en Tijuana por Claudia Ochoa

En ocasiones es difícil conocer nuevas propuestas de rock colombiano, pues gran parte de la música que llega a nuestro país viene proviene de exponentes de otros géneros. Sin embargo, cuando una propuesta logra salir a flote, vale la pena detenerse a escuchar un poco.

V for Volume es un grupo de música alternativa cuyas influencias rondan desde el metal hasta el punk. Son cinco músicos que rondan cerca de los treinta años, llenos de tatuajes y de estilo sobrio, pero rudo.

Han estado de gira por Estados Unidos y, hasta ahora, les ha ido bastante bien. Actualmente están promocionando su primer trabajo de estudio titulado Providence, en el que figuran temas tanto en español como en inglés. Rolling Stone tuvo la oportunidad de platicar con ellos y conocer más de su propuesta.

¿Cómo describirían lo que es V for Volume?
María José: V for Volume es una banda que nació de la escena punk y del metal de Bogotá, pero que les encanta el rock, aunque suenan pop. Entonces somos como un rock electrónico.

Tienen influencia de bandas hardcore…
Juan Camilo: A mí me tocó un poco más de lo que fue el new wave del hardcore de los noventa: Victory Records, algo de Bad Brains, Shelter, etc.
María José: Yo crecí en una escena algo diferente, empecé cantando black metal, me gustaba mucho Samael, Etherion, Burzum, Darkthrone y muchas más bandas.

Jonathan: Aquí lo que cabe destacar es que tenemos diferentes influencias y eso se ve reflejado en nuestra música, finalmente somos una banda de rock/pop/ indie, pero puedes ver que en espíritu V for Volume es muy punk; hay elementos electrónicos, es lo que nosotros destacamos, y eso se traduce en la puesta en escena de la banda, ahí es donde sale a relucir esa sangre y ese espíritu.

Tomando en cuenta que existe una novela gráfica llamada V for Vendetta ¿Por qué el nombre: V for Volume?
María José: Tiene que ver en el fondo, por lo menos en mi corazón,V for Vendetta es un gran cómic que nace en un momento muy particular de la política norteamericana, y tiene que ver con ese no control y aquella anarquía implícita en el personaje central es algo con lo que nos podemos identificar. Nuestro disco Providence se basa en la accidentalidad, entonces puede ser un punto de unión. Pero la letra V también es el número romano para el cinco y nosotros somos cinco; además en semiología es el símbolo de la mujer, el útero, entonces para mí es como la fuerza de la mujer.
Jonathan: además llegó el punto en el que estábamos obsesionados con la letra V, aparte de que como personas somos muy visuales, nos parecía muy icónica y sentíamos que podíamos jugar con ellas de muchas maneras, entonces ahí surgió el juego que cuenta María José; pegamos eso con Volumen, que es lo que más nos gusta hacer.

¿Cómo es crecer, musicalmente, en Colombia?
Juan Camilo: Yo siento que en nuestra generación nos tocó inventar la escena colombiana; éramos niños en los noventas y ahí nos dimos cuenta que no había lugares para tocar, no había sitios para ensayar o buenas tiendas de música. No existía una escena. Creo que estamos generando un buen movimiento de verdadero rock alternativo y que tiene todo para unirse a la arena mundial. Ese es nuestro fin: sin olvidar de que somos colombianos, que nos escuchen en todo el mundo.

Más sobre V For Volume en: vforvolume.com

Dentro de toda la amplia gama de bandas que surgen día a día en todos los rincones del país hay unas pocas que tienen la oportunidad de poder salir de gira al lado de otros músicos y bandas ya consolidadas como Zoé o Los Búnkers. Una de ellas es Renoh, quienes eran conocidos anteriormente como Lissa al momento de ser la banda ganadora del Rockampeonato 2010 derivado de una búsqueda en algunas ciudades de la República Mexicana.

Muchos pensarían que el haber obtenido este título sería como una bendición, en el caso de la banda oriunda de Puebla es mas que nada un reto ya que es el crucial momento para demostrar que son una banda en toda la extensión de la palabra. Prueba de esto es el haber renunciado a sus trabajos o estudios para dedicarle el 100% del tiempo a desarrollar su carrera como músicos.

“Ni siquiera estábamos juntos cuando nos enteramos que fuimos seleccionados para el Rockampeonato. Dejamos atrás las ciudades y las escuelas en donde estábamos porque sabíamos que queríamos seguir completamente en esto para ensayar y ensayar”, nos cuenta Ene, vocalista y guitarrista. “Pocas veces se presentan las oportunidades de estar con tus amigos haciendo lo que más te gusta”, complementa Zur (bajista).

Desde su eliminatoria en la ciudad de Puebla, Joselo Rangel de Café Tacvba vio en ellos algo una peculiaridad especial entre tantas propuestas, y es que mas que tener una presencia en el escenario o un buen corte de pelo, tienen la noción de crear canciones como piezas únicas y por su rock suave y atmosférico muy peculiar. A partir de este encuentro decidió producirlos en su estudio ubicado en Satélite; ahí fue donde surgió su disco homónimo que saldrá muy pronto a la venta y el sencillo “Mi amigo reno”, el cual en palabras de Zur refleja la necesidad que tiene el ser humano de encontrarse a sí mismo.

No será que a partir del 20 de septiembre, cuando arranque la gira de Rockampeonato Telcel que el grupo comience a presenciar en carne propia lo que es ser una banda en toda la extensión de la palabra y demostrar justo la misma motivación que tuvieron al crear sus primeros demos y mandarlos a concursar dejando a un lado la presión. El tiempo dirá si la banda superará la prueba, pero por lo menos nos han dejado una muy buena canción titulada “Mi amigo reno”.

Facebook.com/renohoficial

Parte del buen prestigio que ha ido recuperando el pop últimamente se debe a que se ha vuelto incluyente de otros géneros musicales al complementarlos, e incluso, perfeccionarlos. Un género que ha salido beneficiado es la música electrónica, que luego del boom de 2007 ha ido adquiriendo más seguidores. Es por eso que Sky Ferreira se está convirtiendo en una figura pop que no sigue el camino de las ya conocidas Britney Spears o Lady Gaga, sino que prefirió absorber esa vibra de fiesta y clubs a su muy particular estilo.

“Nunca pensé en querer ser una artista pop o hacer un disco, sólo sucedió de repente. Empecé haciendo algo más parecido al dub step, pero estaba muy lento para lo que quería hacer. Es por eso que terminé combinando todos los géneros y canciones que he estado escuchando desde los 14 años”, comentó en entrevista para Rolling Stone durante su pasada visita a México.

“Fui a un concierto de Daft Punk, me enamoré de su música, luego vi a Justice en vivo y fue todo un fenómeno para mí. Simian Mobile Disco, Digitalism, The Chemical Brothers o todo lo que salía de Kitsuné me motivó e inspiró para alejarme del pop para hacer algo electrónico, incluso también Britney Spears lo experimentó en su disco Blackout”, nos confiesó Ferreira sobre sus orígenes e influencias que la llevaron a hacer su álbum debut As If!.

Sobre cómo fue armando este debut discográfico nos contó: “Contacté a los productores Bloodshy & Avant por MySpace, le mandé un demo que hice y afortunadamente me contestaron rápidamente. Comencé a hacer el disco antes de firmar con una disquera grande por lo que nunca tuve alguna presión por hacer algo para gustarle a la gente de la disquera, sino hice cosas que antes que nada me gustaran a mí”.

Al momento de darle volumen a todas las sesiones de grabación por medio de las presentaciones en vivo, Sky nos platicó: “Es algo complicado porque por un lado no puedo estar parada en el escenario cantando sola, pero tampoco puedo traer un show ‘a la Lady Gaga’ porque aún no tengo ese presupuesto. Prefiero que todo se mantenga como un ambiente parecido como una fiesta en casa de un amigo. Madonna inició así: cantando sus canciones con un par de bailarines; era algo más sencillo”.

Sobre los excesos a los que una artista pop puede llegar, era difícil que Lady Gaga no salga a relucir en la conversación: “Sus conciertos son como un circo, es algo masivo y se olvida de la parte musical. Daft Punk fue más inteligente y de buen gusto porque logró unir la música con un buen espectáculo. Sólo hay una parte del show de Gaga que sí me gusta, que es cuando canta una versión acústica de “Poker Face” en su piano de cristal, es la parte del show en donde realmente la gente le pone atención”.

Al preguntarle sobre a dónde le gustaría llegar, ya que en el terreno pop no suele haber pisos sino el propio límite que se ponga la artista, nos comentó: “Me gustaría ser exitosa, pero si llego a la cima quiero que sea por mi música y no por mi vida porque eso pudre a la gente”.

Más de Sky Ferreira en: skyferreira.com

Siguiendo la oleada de artistas como Kid Sister, M.I.A. o Santigold, surge Rye Rye que, a diferencia de ellas, rescata la escena de hip hop de Baltimore con un toque de pop y dance hall ideal para bailar en los clubs.

Su nuevo disco Go! Pop! Bang! por fin dará a luz a inicios de junio luego de estar un año postergando su lanzamiento. Este disco promete que será un buen highlight del año por el calibre de artistas que aparecen: desde su amiga M.I.A., Diplo, Blaqstarr, The Count & Sinden, The Neptunes y Robyn entre otros, con esta última hizo el primer sencillo oficial llamado “Never Will Be Mine” en donde contrasta el rapeo de Rye con la tranquila voz de la cantante sueca.

Luego de tener su presentación en el festival Coachella, pudimos tener unos minutos con Rye Rye para que nos hablara sobre su carrera:

¿Cómo fuiste armando el sonido que te distingue hoy en día?
Crecí yendo a los clubs, en Baltimore hay muchos, por lo que fue muy normal que me gustara hacer música que fuera bailable y que tuviera groove pero que a la vez tuviera un sello muy propio. Me encanta tocar en todo tipo de lugares desde clubs, salas de conciertos y festivales porque aprendes mucho cómo moverte y expresarte a diferentes públicos.

¿A qué grado te funcionaron los EPs y remixes que hiciste previo a tu disco debut?
Fueron como una preparación y me dieron muy buena energía para estar lista para hacer el disco. También me ayudó a empezar a conocer el sistema de promoción de tu música así como el conocer más gente con quien trabajaría después, pero sobretodo me ayudó el saber qué le puedo dar a la gente.

¿Cómo se dio la colaboración con M.I.A. en las canciones de “Bang” y “Sunshine”?
Fue algo extraño porque yo provengo de la escena de Baltimore y tiene un sonido muy particular de hip hop que a M.I.A. le llamó la atención. Un amigo le enseño unos bocetos de canciones que tenía y ella mostró mucho interés en conocerme. Yo estaba aún estudiando y ella me dijo que quería que saliera con ella de gira, no lo pensé dos veces y me fui. Es una gran persona profesional y personalmente.

¿Cómo escoges los sampleos para tus discos y presentaciones? Ya que tiendes a irte a terrenos de hip hop muy clásico.
Los produces con los que trabajo los escogen, ellos ven lo que quiero expresar y escogen el beat correcto o me llevan a otros terrenos para que mi criterio cambie, lo cual normalmente logran.

¿Con qué productor te gustaría trabajar?
Timbaland es un genio. Missy Elliot es alguien a quien respeto muchísimo y sería un logro que trabajara con ella.

¿Cómo escoges a los bailarines de tus actos en vivo?
Solía tener sólo dos bailarines pero me sentía vacía en el escenario, por eso decidí llamar a más amigos para darle un sentido más de comunidad a las presentaciones.

Más de Rye Rye en: www.ryeryemusic.com

Dentro de la amplia escena musical canadiense que nos ha invadido, Timber Timbre es una de las muestras más folk de esta gama, que para su última producción titulada Creep On Creepin’ On decidió remontarse a un sonido más nostálgico que sólo los cantantes de soul y gospel de antaño podrían tener. De repente podremos encontrar ciertas instrumentaciones de cuerdas que le dan un sentido más dramático y experimental a este recomendable disco, el cual fue editado en México por Arts & Crafts.

Para conocer más sobre esta nueva etapa de la banda entrevistamos a una de las piezas claves de este proyecto: Taylor Kirk, quien además de ser el vocalista, es el más dedicado a la composición de sus discos

¿Cómo se sentían al momento de empezar a componer Creep On Creepin’ On?
Estábamos muy emocionados por hacer este disco porque salimos de gira por tres años sin parar, fue extraordinario viajar por el mundo y conocer nuevos lugares; entonces al empezar a planear las nuevas canciones sentíamos mucha emoción porque en la banda teníamos un buen nivel de energía para volver a salir de gira con nuevo material.

¿Por qué decidieron grabar el disco en una iglesia?
La iglesia fue convertida en un estudio llamado The Treatment Room, decidimos hacerlo ahí fue una oportunidad de trabajar con Mark Lawson, quien fue el ingeniero de sonido para The Suburbs de Arcade Fire, a él le gustó el lugar porque estaba en las afueras de la ciudad de Montreal y porque tenía un buen ambiente para trabajar.

El sencillo “Black Water” posiblemente sea una de las canciones más románticas que han hecho…
Tratamos de crear algo dulce y sagrado, inspirado en el legendario cantante de soul, Otis Redding, o el cantante gospel, Samuel Cooke. Quería recuperar ese ambiente romántico que la música solía tener en décadas pasadas y que se he perdido, quería hacer música para escuchar bajo la luz de las velas.

¿Así te sentías al momento de grabar el disco?
Me sentía muy positivo y feliz, eran épocas muy emocionantes, ya que el disco pasado surgió en un periodo muy oscuro. Creo que sí afectó el humor por lo que las canciones suenan más entusiastas. Mika me dijo que el disco sonaba como el soundtrack de una noche de graduación. Estamos muy orgullosos de este disco y estamos emocionados por compartirlo con el público.

¿Qué tan diferente es este disco, del resto de su discografía?
Hubo más tiempo para componer y escribir las canciones, por lo mismo se podría decir que son más maduras y sofisticadas porque fueron hechas de una forma más artesanal. Le puse mucho cuidado al momento de escribirlas para poder cantarlas una y otra vez sin llegarme a cansar. En esta ocasión no toque todos los instrumentos, esta vez les dejé la tarea a Simon y Mika, quienes estuvieron más involucrados en el proceso de creación a diferencia de las pasadas producciones. También invité al pianista Mathieu Charbonneau y al saxofonista Colin Stetson.

¿Cómo se adaptarán estas canciones en vivo?
Estarán más apegadas a las versiones de estudio, con el disco pasado nos tomamos más libertades en deconstruir las canciones, aunque creo que “Black Water” sí empezará a sonar diferente. Tentativamente iremos a México en otoño.

“Woman”

“Black Water”

Timbertimbre.com

Ellos surgieron a partir de que las bandas en donde estaban (Ruidos en el Techo y Llueve en septiembre) se estaban desintegrando, por lo que desde hace cuatro años decidieron formar este proyecto. Lo que les ha gustado desde sus inicios es la dinámica al momento de crear canciones, ya que les han salido de forma muy natural y fácilmente.

Grabaron su primer disco con Nene Records y ahora lo hacen con Arts & Crafts con su flamante disco Futura Vía, el cual temáticamente está plagado con mensajes como creencias supersticiosas, el poder de la religion, el qué haremos los seres humanos para sobrevivir los siguientes 50 o 100 años, al igual que dar referencias burlonas a Jodorowsky o al hablar sobre el universo, el tarot o la Biblia. Suena muy complejo pero al escuchar el disco, bañado con un buena dosis de rock, sicodelia y cierto toque hippie post moderno, uno entiende los mensajes ocultos de este material.

Platicamos con Mou, guitarrista de la banda, para alcararnos las dudas de Futura Vía:

A partir de que se fue su vocalista, ¿cómo cambió el ambiente en la banda?
Resultaba difícil hacer algo en conjunto. Era bastante evidente el camino que estaba tomando la vida de cada quién, el camino que tomó Luxor se alejaba mucho del de los demás. Pero estuvo bien. Cada quién está feliz haciendo lo que mas quiere, pero sí llegó a grabar voces para Futura Vía.

¿Cómo afectó al sonido el integrante nuevo (Hypnomango) a la banda?
René Rodriguez entró después de la grabación. La verdad es que necesitábamos urgentemente un guitarrista y de la nada salió René. En un principio quería que le ayudara a grabar sus rolas, luego las oímos y no tuvimos otra opción mas que invitarlo a tocar.

Muchas de las canciones tienen voz y otras no, ¿por qué decidieron esto?
Pues no necesariamente todas las canciones de un disco tienen que llevar vocales, no es una regla en Bam Bam. Nos encanta jammear y cuando lo hacemos cada quien está clavado en su instrumento y casi nunca alguien se pone a cantar en esos jams. Es algo natural para nosotros.

¿Por qué titularon el disco Futura Vía?
Porque así se llama la historia en la que está basado el disco, en la que planteamos cuestiones acerca del futuro de la vida en la Vía Láctea, el encuentro entre civilizaciones, las teofanías grupales, la ridiculez de las creencias supersticiosas y la constante duda acerca de qué es real y qué no lo es.

¿Piensan internacionalizarse o prefieren dominar la escena nacional antes?
No pensamos dominar nada. No mientras no sepamos dominarnos a nosotros mismos. La intención es llevar nuestras ideas a muchos lados y ver si hay gente que piense como nosotros para poder convivir y crecer con ellos. Creo que de eso se trata ser músico.

dalebambam.tumblr.com

Movus es una banda originaria de Guadalajara que cuenta con dos discos en su haber y el poder decir que han compartido escenario con grandes bandas como Sigur Rós, Yo La Tengo y Múm, entre otros. Su segundo material se titula Maxa Firekeeper, se estrenó en septiembre pasado vía Arts & Crafts y desde entonces han estado en una fuerte promoción de éste incluyendo el ser teloneros de Broken Social Scene durante su visita en octubre pasado.

Esteban, guitarrista de la agrupación, platicó con Rolling Stone acerca de la experiencia de tocar con estas bandas, su segundo disco y sus planes futuro.

Creo que el nuevo disco está más elaborado que el anterior y a su vez les ha abierto muchas puertas, ¿cómo ha sentido el crecimiento entre ambos?
Desde mi punto de vista si es un trabajo reflejado, el primer disco me gusta todavía. Es un disco que era necesario para mí desde el punto de vista artístico porque había muchas cosas qué sacar, es un disco muy emotivo, muy desnudo, y también la banda iba empezando y todavía no estaban definidas ciertas cosas que hemos logrado con este disco, por ejemplo, el trabajo de producción fue algo precario, la producción fue de un costo mínimo, en el nuevo disco el costo fue mucho más grande.

Escucho el disco pasado y me parece que es lineal en el sentido de instrumentación porque solamente utilizamos tres guitarras eléctricas, el bajo y la batería, que era la idea de nosotros en ese entonces, y queríamos reflejar que ahí estaban esas orquestaciones implícitas, muchas progresiones armónicas.

Este disco ya lo logramos hacer en un sentido más tangible, puedes escuchar violines de una orquestra de San Francisco que se llama Magic Magic Orchestra que han trabajado con Radiohead; hay una participación del baterista de Tristeza y nos ayudó a producirlo Jimmy Lavalle, el genio de The Album Leaf, que ha trabajado con Sigur Rós y gente muy grande, se fue con nosotros a Guadalajara a pre-producir las canciones. También tiene pianos, guitarras eléctricas, acústicas, sintetizadores, voces; no nos quisimos quedar con ninguno de los pendientes que teníamos desde el disco pasado, y siento que la banda es más madura en cuanto a las composiciones, éstas son más mesuradas, más easy listening que el pasado, es un disco más medido y con más variaciones.

¿Cómo fue que contactaron a Jimmy Lavalle? ¿cómo se llevaron una vez que se conocieron?
Fue algo meramente musical, la verdad es que Movus ha tenido muy buena suerte con eso, y a pesar de que no somos una banda que se conozca tanto a nivel nacional como internacional, si hemos tenido bastantes acercamientos en el extranjero.

Creo que la música de Movus nos ha abierto puertas con músicos de grandes tallas y es ahí cuando agarramos fuerza para seguir produciendo y para seguir haciendo música, que esté al nivel de ellos.

El acercamiento con James Lavelle, de The Album Leaf, fue cuando tocamos junto con ellos y Yo La Tengo en Guadalajara e hicimos buena amistad, hubo mucha afinidad musical y después de cuatro años seguimos la relación.

Para este disco pensamos en él y salió muy bien, estamos muy contentos del resultado. Es un álbum muy análogo, muy orgánico, hecho con aparatos de esa vena orgánica y electrónica.

Ahora que mencionas a grupos como Yo La Tengo ¿cómo fue la experiencia de compartir escenario con ellos y bandas como Explosions in The Sky? ¿qué se le puede aprender a bandas como esas?
Dentro de este estigma de ser una banda mexicana que suena como bandas extranjeras, Movus tiene 7 u 8 años haciendo música, y somos contemporáneos, somos híbridos de la cultura anglosajona también, pero por ejemplo en el arte del disco tratamos de integrar mucho la experiencia de reencontrarnos con los orígenes de las culturas en Jalisco como los huicholes, los temazcales, y toda esa corriente de cosmologías que tenemos en México y que no conocemos.

Hubo una búsqueda de volver a fusionar nuestro propio mestizaje, volteando a ver a nuestros antecesores. Sentimos que el disco refleja esa dualidad entre lo nacional y lo extranjero, música del mundo pero también con una identidad aquí.

En la música está reflejado el encuentro con uno mismo, algo que en el disco pasado apenas tratábamos de evocar.

Me llamó la atención el símbolo que aparece en la portada del disco, ¿tiene algún significado en especial, o de donde salió?
En el primer disco hicimos muchas alusiones a muchas cosas, yo hice todas las composiciones, y me llamaba mucho la atención fusionar la mitología japonesa con cosas celtas y con magia; estaba buscando mi identidad.

En el arte del disco se ve un venado azul detrás de una fogata que simboliza a una deidad que es el venado, de hecho el nombre de Maxa (del título del disco) significa venado en nuestras lenguas, y es una oda a nuestra verdadera mitología.

El azul es una visión de la gente de aquí, es una figura positiva, es un acercamiento con la naturaleza y con tu interior.

¿Qué planes hay para ustedes ahora que el disco ya salió?
El disco salió en septiembre y tocamos con Broken Social Scene en octubre, tocamos con Neu! en Guadalajara y hemos estado mucho en el DF para promocionar el disco. De repente es un poco difícil promocionar un proyecto musical desde provincia porque los medios no son de escala nacional, te enfrentas a eso.

Con el disco pasado no hubo mucha oportunidad de abrirnos muchas puertas, y ahora hemos tenido esa oportunidad gracias a Arts & Crafts, y estamos muy contentos de haber firmado con ellos, además estuvimos en el South by Southwest y nos fue muy bien.

Myspace.com/movusband

movus.com.mx

Por Ruth González-Balvanera

Banda creada en Londres, con integrantes ingleses y españoles, que como en un cuento de la Historia sin fin, encontraron inspiración en un libro inédito de los años setenta, escrito por un navarro ávido, planeando que su cultura vasca se expandiera por el mundo; es así que Crystal Fighters intenta llevar a cabo ese sueño, combinándolo con música electrónica. Sebastian, líder de la banda, nos cuenta su aventura.

¿Cómo surge Crystal Fighters?
Surge hace tres años, cuando Laura, una de las cantantes originales del grupo viajó al País Vasco para recoger las cosas de su abuelo, que acababa de morir; y entre sus pertenencias descubrió un libro, inconcluso, que escribió de forma secreta, lo que para ella fue una gran sorpresa, ya que no sabía nada al respecto. Así que cuando volvió a Londres con el libro, nos lo mostró, y nos percatamos de que en él su abuelo hablaba de distintos instrumentos vascos, como la txalaparta (instrumento de percusión a base de tablas de madera) y el txistu (flauta de tres agujeros, que puede estar afinada en fa sostenido o en si natural), lo cual nos pareció sorprendente, por lo que comenzamos a producir temas basados en ellos, y a partir de eso encontramos un sonido mucho más fresco y mucho más interesante de la música que habíamos estado haciendo hasta ese entonces.

¿Qué más hallaron en el libro que les inspiró tanto y que, incluso, le dio el nombre a la banda?
Una colección de poemas y monólogos, dibujos y descripciones de instrumentos; también hablaba sobre su vida a fines de los años setenta y principios de los ochenta en el País Vasco y España. Una mezcla de historias reales e imaginarias; y el nombre Crystal Fighters está basado en la idea de la gente joven de aquella época: digamos que es una especie de expresión española. El abuelo de Laura estaba muy interesado en la música vasca, y pensaba que era una lástima que esta música no se conociera en el resto del mundo, es por ello que nosotros intentamos hacerlo.

¿Cómo describirías el sonido de Crystal Fighters?
Una mezcla de música tradicional y música electrónica moderna con muchos sintetizadores, digamos que tratamos de casar eso, porque no queremos ser un grupo sólo de folk y tampoco queremos ser una banda de música puramente electrónica.

¿Qué música escuchas en estos días?
Eskorbuto, Dulce Venganza, James Blake, entre otros.

Si Crystal Fighters fuera un filme, ¿cuál sería?
Legends of the Fall (risas).

Crystal Fighters (Sábado 2 de abril @ Pasagüero)
myspace.com/crystalfighters